3 月以来，艺术行业内全球的目光都聚集在香港，让人应接不暇的活动无不映衬着此地的活跃生态。在繁忙的香港艺术日历中，富艺斯也带来了在亚州区的最新动作——3月18日，富艺斯位于香港西九文化区的亚洲新总部正式揭幕。一时间，文化艺术界人士齐聚，称为城中热话。新总部里，首批展出的是即将于3月30日及31日举行的2023富艺斯香港春拍“二十世纪及当代艺术”中的珍品，囊括了东西方现当代艺术家的经典杰作。在富艺斯亚洲新总部即将举行的首场拍卖中究竟有哪些作品将上拍？本文整理多件亮点作品，让您提前一睹为快！
估价：15,500,000 - 23,500,000港元https://www.phillips.com/detail/takashi-murakami/HK010123/14/zh村上隆的《花之亲子》采用镀金金箔精心制作，迸发出炽热的耀眼光彩。村上隆展现了对当代全球化文化的深刻理解，被公认为我们这个时代的创新者与文化集大成者。《花之亲子》展示了艺术家独树一帜的视觉语言，对当代现状与情感作出了充满原创性的回应。《花之亲子》光滑的镀金表面在阳光下熠熠生辉。村上隆最具标志性的图案——花朵，被塑造成家长与孩子的角色，手牵着手共同矗立。村上隆后来在东京六本木以该形象重新建造了一座高达10米的公共雕塑，希望家庭观众前往观看《花之亲子》时，能够环绕作品从整体规模上细细欣赏这座雕塑。雕塑表面的金箔纹理精致，从不同角度与方向全面覆盖作品，旨在让观众从各个角度观赏作品，仅从一处观看无法完全领会作品的复杂性。这是一件需要观众走动观看的对话性作品，旨在让家庭成员通过互动体验与作品发生共鸣，他们本身就与作品主题——家庭纽带互相呼应。而关于金箔，村上隆表示：“人们会对闪亮的东西作出反应，并非因为它们有多漂亮，而是因为它们所使用的材料。从历史的角度而言，金色这种色彩、更准确地说是金箔，曾应用在许多寺庙、神社与其他历史上的重要物品当中。我从日本传统绘画中汲取灵感，自然而然地选择了金色作为这一新雕塑作品的颜色。”
巴勃罗·毕加索，《母与子》，1921年作，芝加哥艺术学院，图片：芝加哥艺术学院/艺术资源，纽约/斯卡拉，佛罗伦萨 © 2023 毕加索庄园/纽约艺术家权利协会（ARS）《花之亲子》的独特之处也在于它对性别规范的蔑视：与绘画史上仅以女性形象刻划家长主题的传统相反，村上隆的雕塑让所有性别的观众都能在花卉的成年形象中找到认同。几个世纪以来，在西方与非西方艺术中，围绕母性及母子关系主题的绘画作品都层出不穷，如以下艺术品所示。这些绘画叙事助长了一种刻板印象，即妇女在社会中的生活与身份只有通过生育和母性才能完全实现。村上隆选择用“亲子”这一笼统概念来为作品命名，对包括父亲身分在内的任何形式的养育方式赋予认可。估价：3,500,000 - 5,500,000港元https://www.phillips.com/detail/yayoi-kusama/HK010223/135/zh草间弥生在其极为多产的艺术生涯中创作了许多以南瓜为主题的作品，她对南瓜近乎迷恋的兴趣源自一种本能的感官体会。“我爱南瓜，”艺术家解释道，“是因为它们幽默的体态，温暖的感觉，以及好像人类一样的品质和形态。我创作南瓜作品的欲望依旧不断。我依旧像个孩子一样充满热情。”本件《南瓜》创作于1991年，描绘了一只红黑相间、矮矮胖胖的南瓜，南瓜的脊纹上布满了草间弥生标志性的波点，果梗的颜色较南瓜本身更深，粗壮挺拔，立于脊纹顶上。背景中，红色线条构成无数重复的多边形轮廓，轮廓与轮廓的交接处形成混乱、不规则的三角形，其独特、令人目眩神迷的图案与草间弥生标志性的《无限网》如出一辙。但草间弥生对南瓜的痴迷从何而来？这位日本艺术家在童年时期就开始产生各种栩栩如生的幻觉：这些幻觉往往以花朵、圆点、蘑菇、南瓜和其他蔬菜、水果的形式出现。虽然草间弥生被内心折射所产生的花卉和圆点的幻觉所困，但她却在南瓜中找到了安抚和慰藉。南瓜因此成为她最喜爱的主题之一。
草间弥生，《洋葱日本画》，1948年作品 © 草间弥生草间弥生在第一次产生幻觉之后就开始以素描的形式绘画南瓜，17岁时，她以日本画的风格创作的《南瓜》成为了她首幅公开展览的作品，在日本长野和松本镇巡回展出。在最初的艺术尝试之后，南瓜的图案从她的作品中消失了几十年，直到1970和1980年代，在艺术家的行为艺术时期之后才重新出现在她的作品中。1990年代，她对南瓜的兴趣开始增长，也是在那个时期艺术家把这一图案融入到自己的互动装置《无限镜屋》之中。草间弥生是全球最负盛誉的当代艺术家之一，1929年出生于日本松本县，毕业于京都市立艺术大学，1958年移居美国后成为纽约前卫艺术的领军人物。艺术家在2021年和2022年分别在柏林格罗皮乌斯博物馆和特拉维夫艺术博物馆举办作品回顾展。香港M+博物馆目前正在举办《草间弥生：一九四五年至今》，展览呈现了艺术家70年创作生涯中各个阶段作品的演变和发展。估价：3,000,000 - 5,000,000港元https://www.phillips.com/detail/matthew-wong/HK010223/114/zh刚刚进入拍卖市场的《画家》一作融合了复杂的肌理和丰富、温暖的色彩，彷如一曲视觉交响乐章，创造出一幅由堆叠的岩石、卷曲的荆棘和树木构成的梦幻风景。画面中部，天空被落日的火焰烧得通红，从大地的裂缝中通过皇冠形状、参差不齐的轮廓喷薄而出。一条黄绿相间的斑驳道路窗户倾泻而下，像溢出的蜂蜜或炽热的熔岩，流向站立于画作右下角的“画家”。暮色将近，形单影只的人物正举着画笔，绘画一幅由棕色花朵和太阳组成的精致画面。
《画家》局部在王俊杰梦幻般的画面中，他标志性的比例极小的游荡者总是穿梭于苍翠的田野和迷宫般的小径。本件作品中的孤独的画家可被解读为王俊杰的自画像，展现了艺术家在2019年10月不幸离世前的内心世界。鲜艳欲滴的片片涂抹、粒粒圆点，蜿蜒的曲线和不计其数的线条组成一首迷人的旋律，布满了整幅画作。王俊杰厚重、断断续续厚涂的画面令观者沈浸在宁静致远、忧伤和田园诗般的遐想之中。《画家》创作于2016年，那年他从香港返回加拿大，定居埃德蒙顿并开始进军美国艺术界。短短一年后，他的一件作品获得了达拉斯艺术博物馆的收藏。2018年，他又在纽约KARMA画廊举办了一场突破性的个展。在过去四年中，他的作品创下了前十的拍卖纪录，证明了艺术家的市场实力。近期，2022年10月至2023年2月5日，达拉斯艺术博物馆举办了王俊杰在美国的首场博物馆回顾展《王俊杰：表象的王国》，在此之前，2021年8月至2022年4月，艺术家在安大略美术馆举办了其首场美术馆个展《王俊杰：蓝色风景》。王俊杰的作品获得了诸多机构的永久收藏，其中包括大都会艺术博物馆、纽约现代艺术博物馆、古根海姆博物馆、达拉斯艺术博物馆、安大略美术馆和贝鲁特Aïshti基金会。估价：2,500,000 – 3,500,000港元https://www.phillips.com/detail/gerhard-richter/HK010223/125/zh格哈特·里希特是当代最兼收并蓄、技法精湛的术家之一，几十年来，他不断探索抽象和具像在视觉表现中的可能性。“我不相信绘画的真实性，”他说，“所以我像使用衣服一样使用不同风格进行创作：这是一种伪装自己的方式。”对这位德国画家来说，具象与抽象之间的二分法只是一种虚构，因为这两种方法在色彩和构图上都需要相同的准确性。艺术家以其精湛的具象绘画技巧而闻名，他在1970年代开始尝试抽象创作，其作品常被评论家称为富有”姿态性”或”绘画性”。从它们的纹理和布局——模糊、绚丽和原始——可以看出创作中使用的工具和技法，也让观者一窥其创作背后复杂的思考过程。画面中的色彩看似随意、凌乱地分布和堆叠于画布表面，但实际上艺术家采用了一种系统性、仪式化、近乎偏执的绘画方法：“开始其实很容易，因为我还是可以很自由地处理各种元素——色彩、形状。一幅画面出现了，它可能在一段时间内看起来还不错，它如此轻盈、绚丽、新颖。但这最多只会持续一天，随后它就显得廉价和虚假。然后我真正要做的工作开始了——改变、连根拔起、重新开始，等等，直到作品完成。”《绿蓝红》创作于1993年，它出自一个同样形式的布面绘画系列，该系列作品围绕着同一主题展开——通过使用刮板将绿、蓝、红三种颜色进行混合，可以创造出无尽的色彩和视觉变化。在本作品中，丰盈、朦胧、鲜艳欲滴的线条构成的色彩流畅地相互交融，在刮刀的轻压和抚平作用下顺着画布表面优美地扩展。
格哈特·里希特，《绿蓝红》（Parkett版本），1993年作格哈特·里希特1932年出生于德国德累斯顿，曾就读于德累斯顿美术学院。作为当代最重要的艺术家之一，他的绘画风格和作品在全球备受赞誉，探索了无数概念和形式可能性。2023年4月，柏林新国家美术馆将举办一个永久性展览，展出艺术家的100件作品。2005年，德累斯顿国家艺术收藏馆成立了格哈特·里希特档案馆，作为其附属机构。估价：2,200,000 - 3,200,000港元https://www.phillips.com/detail/bernard-buffet/HK010223/179/zh贝尔纳·布菲1928年出生于巴黎，曾就读于著名的巴黎国立高等美术学院，十九岁时成功举办自己的首场个展。一年后，他获得了著名的法国批评家奖。他与弗朗索瓦兹·萨冈、伊夫·圣罗兰、罗杰·瓦迪姆及碧姬·芭杜一同被《纽约时报》评为“法国绝妙的五位年轻人”。他的作品个人风格突出，极具辨识性，以昏暗色调描绘尖锐、棱角分明的颗长图形为主。这种风格为其作品注入一种暗涩孤独的调子，被许多人认为是战后一代情绪化、粗野主义状态的写照。尽管布菲的作品常被认为阴沈，带著一丝不详的基调，但它并不失精致。布菲的作品获得了全世界诸多最具盛名的美术馆的收藏，其中包括泰特美术馆、纽约现代艺术博物馆、巴黎市现代艺术博物馆和蓬皮杜中心、日本贝尔纳∙布菲美术馆。去年，艺术家的作品在香港创下其拍卖纪录新高，证明了他的作品在全世界范围持久不衰的影响力与市场对他的认可。
哈维尔·卡列哈《隔天早上》
2018年作，压克力画布
116.1 x 100公分
估价：1,800,000 - 2,800,000港元
富艺斯呈现“二十世纪及当代艺术”日间拍卖
https://www.phillips.com/detail/javier-calleja/HK010223/236/zh
“他们的眼睛，你知道的，是像小狗那样、讨人怜爱的眼睛。但它们是红色的。而且鼻子也是红的。而且眼睛亮闪闪、水汪汪的。所以这时他们很高兴，因为他们刚刚停止哭泣。你知道当你或当孩子哭着哭着又开始微笑的那一刻的样子吗？”——哈维尔·卡列哈
艺术家于工作室，摄影：Sasha Bogojev估价：1,600,000 - 2,600,000港元https://www.phillips.com/detail/christina-quarles/HK010123/2/zh克里斯蒂娜·夸尔斯作品中的人物有着流动性与节奏感，他们常仿佛被关在平面空间内，观众则是如同隔着窗户玻璃或花样桌面欣赏。艺术家笔下四肢交缠主角们的躯体、面部和四肢由拼贴的色块与不同的视角浮现出来，如此充满活力的构图让观众感受到肢体上的张力。夸尔斯的作品特色是画中角色们抽象、线条感十足并碎片化的身体，旨在从视觉上表现人类拥有多重又复杂的身份、自我和形象。身为混血酷儿女性的艺术家探索身体感官，以及种族、性别和性取向如何交融并形成复杂的身份认同。《我们的眼睛我们睁着/眼睛睁着》首次亮相于2017年高古轩和杰弗里·戴奇举办的群展《抽象/非抽象》，次年也在太平洋电影档案馆展出。《我们的眼睛我们睁着/眼睛睁着》中模糊、液态、相互融合与变形的身体呈现躯体的流动性或随时能够形变的状态。纠缠于多重文化的身份认同，夸尔斯探索并挑战这些难以定义与识别的界线。其作品的四肢、躯体和面部常与熟悉的家具物品融合，更调整颜色和动作使一切变得怪异。肢体所呈现的反映了对探索身份的多样性与模糊的想法，如她所解释的，这与她自身的生活经历密切相关：“身为一名黑人女性却经常被误认为白人，我与世界打交道的方式要比一般人复杂得多。”拥有如此复杂身份的夸尔斯，其作品充满争衅性、新鲜感，吸引着观众。凭借非凡的灵巧风格和创新绘画手法，夸尔斯总结了非二元流动的现实，邀请观众挑战体验身而为人的多样性。
特雷·阿卜杜拉《全球暖化》
2018年作，压克力画布
200.2 x 130.4公分
估价：1,200,000 – 2,200,000港元
富艺斯呈现“二十世纪及当代艺术”晚间拍卖
https://www.phillips.com/detail/trey-abdella/HK010123/40/zh
特雷·阿卜杜拉的作品特色为探索对身份、记忆和感知的主题。阿卜杜拉着重于让作品的定调介于超现实主义与变调的卡通间，他扭转当前数位语言并扩张参考文化的范围使平衡。艺术家孜孜不倦地尝试以当代文化产物——Instagram为作品，使用者仿佛无法抗拒般的滑过一则则贴文：他以此为灵感每天拍摄数量惊人的4000 张屏幕截图，将其编织后创造出一幅媚俗的挂毯。阿卜杜拉融合卡通、广告和社群媒体中的图像于画作中，以此打破高雅艺术和通俗艺术间的界限，并挑战了“原创”作品的传统定义。
此拍品曾参与柏林Future画廊展览《Clusterfuck：特雷·阿卜杜拉、球通克罗斯、奥尔加·米赫·费多罗娃》，2019年3月23日- 4月20日，图片：©安德烈·罗塞蒂创作于2018年的《全球暖化》是阿卜杜拉刻薄与想像力的典型代表。三个人影占据了配有红色天鹅绒地毯和深色木地板的豪华游轮阳台。画面从左边炸开来，一个悬空的男人正比着武术动作，他手掌张开、脚伸直，以扭曲姿态抽象的呈现暴力氛围，黑色轮廓仿佛生动呈现他下一个瞬间的动作。另一个卡通人物则是坐在椅子上，手里拿着一个燃烧的地球，自己同时也沉浸在烈焰般的狂喜中。尽管有着典型美式长相，像素化的腿和相片般呈现的绿色布罗克鞋使他显得格格不入。在上述两者间盘旋着幽灵般的身影，就位于观众目光的正中间。她身着火焰长裙，是三个角色中最带有不安氛围的。角色们局限的沉浸在自身的存在中，不与周围环境互动，这让他们成为了令人感觉困惑的戏剧演员。作品呈现着超现实幽默，当中却弥漫着一股焦虑。拼贴为主的中心叙事并未平息观众对于画面中仿佛将吞没船只巨浪的恐惧。如作品中烧毁的球体和标题所示，人类的过度贪婪将成为一场噩梦，对世界造成无法估量的破坏。波浪在此情形下代表双重意义：人类征服自然的后果与软弱。《全球暖化》中阿卜杜拉让我们得以通过他的水晶球窥视其通过量子传递着燃烧和愤怒的图像。估价：1,000,000 - 1,500,000港元https://www.phillips.com/detail/scott-kahn/HK010223/113/zh你会发现存放工具和栽种苗圃的屋棚，它们是这一切的中心，没有一双手如此苍白无力，也没有一颗心如此病病殃殃，然后怀着感恩的心去干你的活，直到接到进一步的命令，
吉卜林花园，布莱顿，英国https://www.phillips.com/detail/louise-bonnet/HK010123/4/zh居住在洛杉矶的瑞士画家路易丝·邦内（Louise Bonnet）的画作游走于幽默、美丽和怪异之间。她描绘扭曲、畸形的身体或人物形象，附着着位置奇特的器官和附肢。她的画作呈现出文艺复兴时期大师对光影和质感一丝不苟的关注，通过荒诞的、带戏剧性的超现实主义传递出羞耻和厌恶的情绪。创作于2016 年的《丝绒连衣裤》是邦内独特风格的一个迷人且发人深省的典范。一件明显脱体的淡紫色丝绒连衣裤衬托在闪闪发亮的黄绿色背景下，这是一个消化器官离奇出现在身体外部的的宁静背景。这个让人联想到人类胃部的器官在明暗对比中毫不费力地呈现出立体感和精致感。虽然这个器官位于身体之外，但通过系在丝绒套装腰部的绳子，它将观众吸引到这幅画的内在戏剧性中。邦内痴迷于表现内疚和羞耻等内在情绪的肉体，她通过将深度、体积和形式与荒诞和怪诞同步，模糊了思想和身体之间的区别。正如艺术家本人所说，她的作品传达了她对“情感如何通过身体变得可见”的浓厚兴趣。她画作中扭曲、不舒服的身体唤起了心理上的痛苦，暗示了身体世界和内心情感世界之间的内在联系。《丝绒连衣裤》让人们得以一窥超现实的世界。在这个世界中，拍摄对象荒谬地暴露着的器官揭示了他们对尴尬和羞耻的敏感度。画面如被裁剪过般，可见的只是从脖子到腹股沟的连衣裤。对这件看似无害的衣服的关注暗示了绘画主体隐喻性的赤裸和脆弱。消化器官不受保护的状态暴露出主体对自己身体缺乏束缚或控制，这也是邦内作品中反复出现的主题。邦内于1970年出生于日内瓦，就读于日内瓦艺术与设计学院并开始了她在平面设计和插图方面的创作。2008年，她在洛杉矶的Subliminal Projects举办个展，开启了她的绘画生涯。她最近的展览包括艺术家于亚洲的首次个展，于香港高古轩画廊展示的“Onslaught”（2022年5月31日至8月6日）；巴黎Galerie Max Heltzer的“Bathers”（2021年9月11日至10月30日）和纽约个展“高古轩的时光”（2020年9月29日至11月7日）。邦内的作品还入选了主题为“梦想之乳”（The Milk of Dreams）的2022年威尼斯双年展，也被上海余德耀基金会、洛杉矶郡立美术馆、旧金山现代艺术博物馆、洛杉矶汉默美术馆和慕尼黑布兰德霍斯特博物馆等永久收藏。https://www.phillips.com/detail/lauren-quin/HK010123/5/zh劳伦·奎恩的抽象画让人停留驻足。这位活力四射的年轻美国画家的每件作品都像一场色调和符号的爆炸，淹没着观众的感官。奎恩创造的电光火石的色彩和跳动线条吸引眼球，令人着迷并仿佛处在一种恍惚状态。形式和颜料的翻腾创造了崇拜和污秽、血液和骨髓、纯洁和變態之间相互作用的网络。奎恩的作品最迷人的方面之一，是他作品中反复出现的她称之为“管子”的元素。这些厚重的颜色和阴影条类似于多重的棱镜，在重叠时，它们变形为交叉影线或波纹图案。在她的作品中，管子是最持久而又最不稳定的元素，它们玩弄重量和价值的一致性，颠覆传统的画面空间概念，让构图表面充满澎湃的动能。在奎恩的创作过程快要结束时，她铺下了一层厚重的油漆，并急不可耐地在它凝固之前雕刻出来。这个最终的雕刻过程充满活力又敏捷，并让时间的流逝来作最后定夺。奎恩的作品和白发一雄有些相似，但白发一雄的大型画作以其原始的物理性和狂热的手势标记为特征，而奎恩的作品通常具有细微的纹理和色彩变化，赋予它们一种精致和精炼的感觉。不过，他们都敏锐地关注着作品的情感共鸣，试图利用抽象表现来探访我们周围世界更深层次的真相。无论是通过疯狂的身体即兴创作，或是在形式和色彩的仔细斟酌，两位艺术家都展示了抽象表现的持久力量，以唤起复杂的情感状态并超越表现的局限性。在这两种情况下，艺术家们都努力捕捉人类体验的本质，一种超越语言或文化限制的东西。
白发一雄，《Zuisouhen》，1986年作，由富艺斯香港于2019年11月24日以9,750,000港元的成交价售出奎恩的作品曾在众多的展中展出，包括于加州洛杉矶Blum＆Poe画廊的《Pulse Train Howl》（2022年）。他的作品也参展于各个群展，如位于佛罗里达州迈阿密的当代艺术博物馆的《Fire Figure Fantasy: Selections from ICA Miami's Collection》（2022年），以及加州洛杉矶Blum＆Poe画廊的《On Boxing》（2021年）。奎恩的作品被众多公共机构收藏，包括北京X美术馆、旧金山艺术博物馆、亚特兰大高等艺术博物馆（High Museum of Art）、迈阿密当代艺术博物馆（ICA Miami）、迈阿密佩雷斯艺术博物馆、凤凰城美术馆以及明尼阿波利斯的沃克艺术中心。此外，她的作品也被一些私人收藏家收藏，如Komal Shah收藏、Arnault收藏、Green Family Art Foundation、Kraus基金会和Rachofsky收藏。https://www.phillips.com/detail/cheng-xinyi/HK010123/38/zh《晚安，托马斯》创作于2013年，画面描绘了一个上半身赤裸的男性，绿色、灰蓝色与黄色这些冷色调背景更凸显了他的抑郁。托马斯的头侧向一边，垂下的眼睑皮肤颜色比其他部位更红更黑。丰富的体毛作为既突出又微妙的性感细节立即引起观众的注意。这位棕色中长直发的男人眼睛被拱形的一字眉遮盖，脸的下半部被浓密胡子包围。程心怡的画作主角大多是她的朋友。偏好年轻男性为主题揭示了艺术家对男性气质社会结构的迷恋，她在2021年的访谈中提到：“我对男人如何处理男性气质，以及如何回应他人感受很感兴趣。”托马斯也出现在2013年创作的同名作品《托马斯》中，是个反复出现在程心怡作品中的角色，多年来仿佛成为这位艺术家作为男性的另一个自我。阴暗层色调与不规则矩形共同构成引人入胜且色彩平衡的背景，此技法证明程心怡致敬深度影响她作品颜色和光线使用的德国画家约瑟夫·阿尔伯斯。尤其是《晚安，托马斯》的色彩选择和几何构图更类似于阿尔伯斯1959年创作的《向正方形致敬：幻影》。该作品是艺术家于1950年开始创作的系列作品之一，此系列共花费25年完成。通过玩转正方形，这位任教于包豪斯的教授试着并置多色四边形并研究其所产生的对比和光学效果。
（左）约瑟夫·阿尔伯斯，《向正方形致敬：幻影》，1959年作，古根海姆博物馆，图片：古根海姆基金会/艺术资源，纽约/Scala，佛罗伦萨，艺术品：© 约瑟夫·阿尔伯斯基金会/艺术家权利协会（ARS），纽约；（右）此次拍品程心怡1989年生于武汉，她形容自己是“对情感、欲望和权力着迷的画家”。曾在清华大学美术学院学习雕塑，并在马里兰艺术学院获得硕士学位，2016年到2017年间驻留阿姆斯特丹荷兰皇家艺术学院两年，于2017年移居巴黎生活和工作。2019年，程心怡获颁巴塞尔艺术展2019巴洛伊兹艺术大奖。2021年，其部分画作作为法国亿万富翁弗朗索瓦·皮诺的私人收藏在巴黎商业交易所展出。近期展览包括在纽约Matthew Marks画廊举办的《程心怡》（2022年11月4日至2023年1月28日）、巴黎老佛爷百货基金会艺术中心的《通过他人看见》（2022年3月23日至5月28日）以及柏林汉堡车站美术馆的《戴眼罩的马》（2020年12月10日至2021年6月6日）。https://www.phillips.com/detail/george-rouy/HK010123/3/zh英国画家乔治·罗伊在其庞大、引人注目的画作中探讨着象征主义、性欲和身体表现力等主题，这些画作刻画了无形的、纠缠在一起的巨大身影。首次参加拍卖的《摆出我们的姿态》描绘了两个巨大的幽灵般的人物，其中一个被另一个拥抱，颈部仰起，探索她胸口上的一条伤口。罗伊使用柔和的紫红色搭配流畅、发光的古典大师风格，他描绘的近乎神圣的身影在梦幻般的深紫色氛围中散发着强大的象征意义。
此拍品位于《闷醒》展览现场，洛杉矶Steve Turner画廊，2018年10月27日-12月8日《摆出我们的姿态》中，罗伊通过有意背离传统的人物画方式创造了一个世界。在这个世界中，身体带有额外的意义层次，脱离了人体在艺术中必须代表什么的先入为主的观念。在罗伊庞大而生动的画布中，他抽象的、超凡脱俗的人物超越了叙事，将人类情感无限可能性作为主题。罗伊庞大、交织的人物与巴西现代主义者塔西拉·杜·阿马拉的人物具有类比性，后者在她1929年的画作《食人动物》等作品中同样挑战了人物画的学术惯例。
塔西拉·杜·阿马拉，《食人动物》，1929年作，纽约现代艺术博物馆，艺术品：© Tarsila do Amaral此外，《摆出我们的姿态》参考了卡拉瓦乔的画作《多疑的托马斯》中描述的使徒托马斯探究耶稣伤口的场景。罗伊的画作同样描绘了一个人正在检查右胸下的伤口，他光芒四射的紫色身体让人联想到巴洛克大师的明暗对比。通过以原始的、神一般的风格呈现他巨大的、神圣的人物，罗伊巧妙地参照了使徒托马斯的故事，同时巧妙地避开叙事并唤起一种热烈、神圣的存在感。
卡拉瓦乔，《多疑的托马斯》，1601-02年作，无忧宫画廊，波茨坦，德国乔治·罗伊1994年出生于英国，2015年毕业于伦敦坎伯韦尔艺术学院，自那以后，他以裸体人物为主题的巨大、令人惊叹的绘画作品获得了相当多的认可。罗伊曾有过几次大型国际个展，其中包括2022年在法国巴黎Almine Rech画廊的个展“Belly Ache”、在美国纽约 Gladstone画廊的个展“Real Corporeal”、在德国柏林Peres Projects画廊的个展“Shit Mirror”、在英国伦敦Timothy Taylor画廊的“A Thing for the Mind”以及在2020年在伦敦Hannah Barry画廊的个展“Clot”。罗伊的作品被北京的木木美术馆、69艺术园区和X美术馆、瑞典诺科平的Ståhl收藏、美国迈阿密ICA、法国Fondation Cartier和Lafayette Anticipations。https://www.phillips.com/detail/anna-park/HK010123/39/zh安娜·帕克2018年的炭笔画《栖身者》是线条、形式和阴影的交响乐，巧妙地捕捉了表演前演员们在镜子前穿戏服、化妆或整理头发等准备工作时的混乱时刻。她看似毫不费力的构图技巧将观众的视线沿着人物手臂、面部和身躯的流畅线条移动。光线照亮了前景中一位正在梳理头发的男士举起的手臂，并反射在一位靠在手上的女人的脸和上半身，与她身后的阴影背景形成鲜明对比，营造出一种空间感和氛围感。帕克清晰、自信的笔触将观众吸引到场景的戏剧中，同时营造出一种重大事件即将发生的感觉。帕克热衷描绘焦灼的企盼瞬间，首次参加拍卖的《栖身者》堪称是一个无可挑剔的范例。这件作品的标题可能是美国剧院白话中对技术术语“cove”的引用，指的是舞台前方的照明位置，或许帕克作品中的人物即将步入明亮的舞台灯光，成为她所说的“covee”。英文原文标题中的Covees也可指城市俚语“coving”，意思是在一个微妙的地点停下来一起享受美好时光。帕克经常描绘放荡的狂欢者，在这里她可能暗指演员之间的友情，又或许她的角色会走到聚光灯下表演，然后在表演后一起coving庆祝。
（左）此次拍品；（右）巴勃罗·毕加索，《弹曼陀林的少女》，1910年作 © 纽约现代艺术博物馆/Scala，佛罗伦萨，© 2023 毕加索庄园/纽约艺术家权利协会（ARS）帕克在《栖身者》中有意地组织了人物、镜子和物体的半抽象形式，让人不禁想起塞西莉·布朗（Cecily Brown）巨大画布上的多彩喧闹。像布朗一样，帕克的人物是一个充满视觉冲击但支离破碎的世界的一部分，他们被狂热的活动所包围并参与其中。然而，帕克的作品使用抽象、具象和重复的手法，独特地以幽默和讽刺的方式评论美国生活。在《栖身者》中，帕克试图将观众的注意力吸引到当下，即表演前紧张的几分钟的悬念时刻。她邀请观众抛开社交媒体、工作和日常生活的所有干扰，让观众和艺术家之间的“真正互动”在一瞬间绽放。安娜·帕克在普瑞特艺术学院学习动画和插画，之后她到纽约艺术学院将注意力转移发展她的美术作品。尽管她才二十几岁，但自艺术学校毕业后的短时间内就广受赞誉。她的作品已被多个知名机构的永久收藏，包括亚特兰大高等艺术博物馆、休斯顿美术馆、迈阿密当代艺术学院，以及迈阿密佩雷斯艺术博物馆。帕克的作品还被KAWS收藏，KAWS就是在纽约艺术学院发现了她的作品。帕克迄今为止的个展包括2022年在加州洛杉矶Blum & Poe的《Mirror Shy》；2021年在日本东京Blum & Poe举办的《你好，陌生人》（Hello, Stranger），这是她在亚洲的首次亮相；以及2021年在纽约Half Gallery举办的《Pluck Me Tender》等。她的作品还于2022年在上海的池社和乔治亚州萨凡纳的萨凡纳艺术博物馆（SCAD Museum of Art）展出。https://www.phillips.com/detail/loie-hollowell/HK010223/223/zh洛伊·霍洛韦尔是当今最引人瞩目的年轻艺术家之一，其创作以浓厚的自传性及用生气蓬勃的炫目色彩绘制的几何图案为标志。霍洛韦尔像建筑师般为作品制订基于个人经历的蓝图，把女性身体转化为抽象概念。这些作品就好像行星或科幻小说中开启未来之门的石碑一般，其三维元素将绘画带入集体积、纹理与表面于一身的雕塑空间，在反映身体景观的同时唤起宗教图像的感觉。拍卖预展
3月18日，下午2时至6时
3月19至31日，上午10时至下午6时
香港九龙西九文化区柯士甸道西8号
西九文化区管理局大楼G/F
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