服装设计中的神话规范

Megan Parker

（WAAPA, Edith Cowan University）

该项基于实践的研究，将音乐剧服装设计过程与有关人体表征的社会、政治问题联系起来。首先，Megan Parker将Audre Lorde的概念“The Mythical Norm”（神话般的规范）与服装渲染中标准化身体模板的使用相结合，并引用Sabrina String对丢勒的人物画的讨论来理解西方艺术中标准化身体绘画表现方法的起源。其次，Megan Parker理论联系实践，在参考教学文本的基础上结合自身在一家精英表演艺术机构的12年工作经验进行研究。再次，Megan Parker回顾了时尚模板和速写的可用来源，并讨论了这些来源材料中不同身体的表现形式，通过完成捕捉高度特异性和细节的人体肖像来完成其服装效果图。最后，Megan Parker讨论了使用发布在社交媒体上的照片来制作逼真的全身肖像的伦理道德，然后将这些肖像重新组合为开发概念草图和最终服装设计的基础。在这样做的过程中，Megan Parker与肖像主体或表演者的身体保持联系，Megan Parker以数字方式将服装设计与肖像相结合，创建了一系列连贯的服装效果图。

场景世界中的虚拟连接

Sue Field

（Independent）

本文确定了现场表演服装设计在合作过程如何潜在地建立联系，从而产生一个场景生态，一个世界。多个不同的部分——服装、表演者的身体、叙事、环境、灯光、声音等——聚集在一个变换的空间，以实现场景的相遇。“世界化”一词指的是一个活跃的、持续的、没有尽头的过程：有无限的可能性和具体的偶然事件，以此Sue Field推测当代服装设计和生产的连通性具有“创造世界”的品质。为了支持自己的论点，Sue Field研究了三个案例：当代国际舞台设计师Emma Kingsbury，Dan Potra和Gabriela Tylesova最近的服装设计。总的来说，他们的创造性作品揭示了当代服装设计如何在数字技术和虚拟交流的加强下，产生定位和塑造想象世界的场景比喻。他们的设计封装了多个可视化交替和异构现实的潜力。他们把看不见的东西变成了一种具有某种真实力量的物质——“一个世界”。Sue Field认为当代服装设计，结合数字技术、多感官效果可以唤起感官的放大，为观众创造身临其境的体验。

服装物质性在服装设计和数字角色创作中

的具身体验

Susanna Suurla & Maarit Kalmakurki

（Aalto University）

该研究项目旨在探索“具体化”如何影响服装的材料及数字化生产。Susanna Suurla和Maarit Kalmakurki一方面讨论了关于服装和材料在身体和数字表演中作为连接代理的假设，以及探索了如何将服装物质性的具体体验作为服装设计创作和数字动画中新想法的促进者和催化剂。另一方面，Susanna Suurla和Maarit Kalmakurki认为在动画等数字媒体中，材料在角色创作过程中将类似的多感官和具身效果传递给了动画师。Susanna Suurla和Maarit Kalmakurki通过这两个理论视角讨论了服装材质对服装设计师的艺术创作过程和动画师的数字角色创作的影响。同时，Susanna Suurla和Maarit Kalmakurki也论证了物质参与创造身体表演和数字角色的好处和机会，这使人们更加了解服装设计需利用多感官的重要性。

循环服装设计：方法论和创意小组实验

（《世界末日之前》）

Erika Schwarz

（University of Campinas）

本讲座旨在分享坎皮纳斯州立大学三年级表演艺术课程服装设计的实验方法和技巧。Erika Schwarz探索了个人记忆的绘制、概念/主题地图、旧货店二手物品的升级换代，以及土著学生带来的手工技术。主要是重视表演者/学生在服装制作领域的沉浸式创造，激发团队的自主性，以及考察他们自己的参考资料和专业知识。Erika Schwarz还反思了如何在戏剧舞台中激活所需的图像，在诠释《世界末日之前》合唱团实践的同时，也加入了社区的概念以及服装多样性的特点。

服装设计师的教育经纬：

服装设计行业的过去和现在

Márcio Masselli

（Federal University of Goiás）

该研究项目旨在调查服装设计专业如何在巴西出现，以及构成服装设计专业的正规和非正规教育基础。Márcio Masselli试图了解这些专业人士目前的教学方式：通过正规教学（在学术领域）或在非正规领域（如免费课程）。该项目的研究数据来自现有的参考书目，例如 Rosane Muniz、Joana Imparato和Paula Cozzolino提出的参考书目，以及来自国家档案馆的文件、作为媒体发表的现有采访等。还有从主流来源收集的数据，例如：对巴西名人、服装设计师和教育工作者的采访等。因此，Márcio Masselli希望观察正规领域和非正规领域的教学如何连接，它们缺少什么抑或剩下什么，以便服装设计可以思考行业规范。最重要的是，这项研究批判地反映多种交叉学习方式对成为服装设计师的影响及重要性。

Corpo-instalação 

[身体装置] 作为一种教学策略

San Pestana

（Universidade Anhembi Morumbi）

该项目探讨了表演服装创作过程与其他表演艺术语言之间的联系（尤其是在戏剧领域）。San Pestana在圣保罗大学对表演集体La Pocha Nostra的服装进行研究的过程中，发现表演教学法得到了发展，由表演集体产生的表演艺术材料不仅适用于戏剧服装创作，也适用于人物和戏剧作品的创作。因此，基于研究期间进行的实践，San Pestana开发了Corpo-instalação[身体装置]教学策略，将身体理解为场景视觉构成中的政治元素。应用于学术领域后，该策略成为教学顺序的一部分，其目的是介入检查、理解和实践场景视觉创作过程的各个阶段。San Pestana揭示了表演服装创作与戏剧场景视觉概念之间对话的可能性，并强调应用教学策略可作为发展场景视觉造型和政治思考的资源。San Pestana认为该方法除了展示创作过程的各个阶段以及如何制作造型作品外，还旨在扩大审美参考和身体装置的各种可能性。

合作联系和隐蔽贡献：

Molly MacEwen的性能设计

Siobhan O'Gorman

（Dún Laoghaire）

Siobhan O'Gorman主张女权历史修正主义，她的演讲旨在剖析女性艺术家Molly MacEwen舞台、服装作品。在1930至1980年代，Molly MacEwen的创作主要为苏格兰和爱尔兰的舞台服装作品，她的服装草图经常包含格子呢，几个设计作品中附有暗示不同材料和纹理混合的织物样本。Siobhan O'Gorman将MacEwen的实践置于各种影响和发展的纠缠中，例如MacEwen在20世纪初伊丽莎白时代舞台艺术的复兴、大型户外活动（包括选美比赛），以及一些的现代创新中的影响，同时还引发了大环境对“掩盖MacEwen重要性贡献”的讨论。最终，Siobhan O'Gorman指明女性在爱尔兰和苏格兰戏剧实践发展中经常是被忽视的角色。

50米：着装为联系，着装为宣言

Luiza Marcier

（Independent）

50米是织物延伸的隐喻，它可以作为一个帐篷，为创意世界的命题提供庇护：一件连衣裙和一套西装、鞋子、耳环、植物、戒指、绘画、帽子、领带、布料、织物、羽毛、棉线、石头、毛毡、睫毛、铅笔……这些都是我们生活的组成部分。正如Ailton Krenak所说，我们艺术家可以将裙子打造为“彩色降落伞”。服装与生活的方方面面产生联系，生活为服装提供灵感，同时服装也为设计师的思想而“宣言”。

服装师的镜头：与现存日常服饰相遇的

叙事潜力

Louise Chapman

（London College of Fashion, University of the Arts London）

Louise Chapman讨论了2022年6月实践型博士生与现存日常服装相遇时所采取的服装实践。“服装叙事：粉色丝绸连衣裙”——探索了如何利用穿着者的镜头、服装和（服装的）叙事潜力，在穿着者和粉色连衣裙之间建立多种关系。Louise Chapman认为这里的“叙事潜力”是通过穿着者的视角来调节的，形成一个“特定而有利的位置”，这也就意味着服装所传达的信息、所叙述的“故事”，实际上是穿着者自己构建的。

表演抗议服装和时装

Maria Konomi

（National and Kapodistrian University of Athens）

当抗议、示威和公共干预被视为社会表演活动时，抗议服装则需要具备视觉、素材以及象征等方面的表演功能。为了探索服装在此类事件中的社会影响，Maria Konomi特别关注了服装的社会政治及表演艺术因素，提出了对“什么可能构成抗议服装的时尚”、“抗议服装的视觉语言及政治目的是什么”等问题的讨论。为此，Maria Konomi分析了一些当代抗议服装案例，这些案例将抗议运动与时尚实践联系起来，同时也揭示了这种“抗议时尚”固有形式的模糊性。

敌人的服装：反恐战争制服

Mia Furlong

（University of St Andrews）

Mia Furlong讨论了反恐战争中服装的关联使用，特别提及了美国和伊斯兰国对军装、橙色连体衣和头巾的处理。这两个国家都非常关注服装在呈现国家形象方面的作用，他们认为服装是反恐战争的重要武器。基于Giorgio Agamben和Judith Butler的理论，以及参考Jennifer Craik概述的服装历史，Mia Furlong说明了“服装”—“战争”—“法律”之间的联系。在讨论政治暴力的同时，Mia Furlong进一步讨论了战争服装对增强国家形象起到的重要作用。

抗议吉祥物的服装联系

Eero Laine

（University at Buffalo / State University of New York）

毛茸茸的服装为抗议活动增添了一种近乎卡通化的戏剧性，为抗议活动提供了一定的缓和空间，可以玩笑似的表达人们的意愿，分享一些具有讽刺意味的“赞美”等。Eero Laine探讨了吉祥物为抗议活动提供的跨媒体联系的戏剧表演，Eero Laine认为虽然抗议表演常依赖于吉祥物形象的广泛传播，但抗议的吉祥物终究还是凭借汗流浃背的表演而产生意义。也就是说，吉祥物是由穿着毛皮的人和抗议团体共同制作和表演的，同时也以非常态的形象传达着他们内心的意志与愿望。

同性恋者身体打扮：

身体形成如何影响审美和身份表达

Ehud Joseph

（Queensland University of Technology）

自18世纪欧洲西方同性恋文化兴起以来，服装和时尚一直在定义同性恋身份以及边界等方面发挥着重要作用。服装帮助同性恋个体逃避现实来表达愉悦，同时通过共享社交发展重要的文化资本，促进了性别表达和同性恋者的世界建设。通过服装的“表演”，同性恋者可以公开表达真实的自我，并在社会中占据一席之地。Ehud Joseph以布里斯班一群同性恋者为研究对象，分析了身体与材料的结合方式，进而剖析同性恋者身体形态、创造环境及社会体验之间的相互关系。

为加勒比加拿大人制作服装，

建立文化和社区

Jacquey Taucar

（University of Toronto）

在多伦多举办的加勒比狂欢节，国王和王后服装在艾伦·兰波特体育场展开角逐，每件服装只有4分钟的表演时间，当地的观众永远不会看到15-20名设计师为设计和制作服装付出的大约2000-3000小时的劳动。Jacquey Taucar借此现象，探讨了“文化—社区—服装”是如何在mas营地的工作坊中建立起联系的，人们可以在mas营地的社区环境中观察、学习，以此来体验嘉年华服装制作的知识与技术。同时，Jacquey Taucar也认识到多伦多狂欢节艺术家的服装制作实践建立起了个人与社区，移民与多元文化的多重关系。

将南亚面具视为根茎

Deepsikha Chatterjee

（Hunter College,CUNY）

Deepsikha Chatterjee以一系列的南亚服装和面具制作实践（印度的Bhaona和Chhau、斯里兰卡的Tovil和尼泊尔的Bhairab舞蹈）为研究案例，使用德勒兹和瓜塔里亚的根茎方法，构建服装与表演之间的直接联系，同时试图通过材料和物体，与艺术、文化、历史、政治、国际关系等等方面建立其他联系。Deepsikha Chatterjee认为这些南亚艺术家的作品虽然都体现当地审美与特色，但也指出这些艺术家们努力在更大的场所向国际游客展示他们的作品。Deepsikha Chatterjee旨在讨论南亚艺术作品如何超越地界的狭隘，进入更为广泛的领域。