表演对象是一种物质存在，它的“表演”与表演者形成动态的依赖关系。无论是木偶、面具、服装还是道具，通过表演者的表演加持，会在一定程度上产生“真实”的幻觉。在此基础上，观众的想象力联系着表演者与观众，使物体在舞台上“令人信服”地活动着。Corinne Heskett领导的实践研究项目为一个原始的、基于表演对象的戏剧作品《丑女回忆录》，这个作品由表演者激活脱离实体的服装，并以创造性方式探索其表演的意义。Corinne Heskett在研究过程中讨论三个方面：

1.探讨服装作为表演对象，如何在创造角色中扮演演员的角色；

2.探讨一个脱离实体的服装对象如何成为分离表演本质的有力手段；

3.挑战戏剧及剧中人物发展的传统思维方式，进一步探讨服装与身份之间的关系。

历史重现能否通过服装去创造文化和社会的联系？“服装在历史事件中的价值”在学术讨论中是非常热门的话题，然而，学者们研究的重点一直侧重于服装对历史发挥的具体功能上，但像服装与社会、教育方面的联系却鲜少有人探索。Alessio Francesco Palmieri-Marinoni认为通过研究Palio di Legnano的案例，对于理解服装的社会重要性有很大的帮助。在Palio di Legnano的具体案例中，每年都需要创造新的服装来获得历史真实性，通过实践，产生保持各地特定服装传统的方法。Alessio Francesco Palmieri-Marinoni旨在就Palio di Legnano有关服装教育所采用的方法进行个案研究：

1.探索中世纪刺绣教学和中世纪美学和技术观念；

2.探索与图像和纺织品研究有关的Legnano裁缝领域及其文化实践。这两个案例及Legnano的个人经历将证明，在文化共同体的背景下，不同成员之间的交流能够产生一定的文化包容。

交流沟通是服装设计师工作的重要组成部分。服装设计需要交流，因为服装设计是根据设计师个人及艺术团队共同意愿来创作的。有效的合作是有必要且有价值的，Riina Leea Nieminen & Tua Helve从服装设计师的角度探讨了在协同创作过程中的沟通问题，旨在开发与团队进行有效合作的工具。Riina Leea Nieminen & Tua Helve认为服装设计师不仅是艺术团队中创造性的连接媒介，而且是表演创作中持续创造联系的关键因素，是有效合作的推动者。

模块化服装与运动的肢体、戏剧艺术以及协同合作中相互连接。为完成《不服从的服装》中的实践研究，Susan Marshall开发了平板包装的模块化服装，它们可以以不同的方式构造成用于穿戴、玩耍的三维形状，从而发展出一种新型的表演方式。“表演口袋”的服装是围绕许多不同形式、材料的模块口袋展开，每个“口袋”都包含一个独特的秘密或故事。“口袋”从法国大革命期间被宣布为非法，到防止妇女隐藏革命材料，再到成为妇女参政权的独立和反抗的象征……口袋的历史是迷人的，充满了秘密，平等和颠覆。现如今，“表演口袋”这一项目目前正在向两个完全不同的方向发展，一个是丹麦编舞/舞蹈家，另一个是葡萄牙剧团。“表演口袋”透过口袋内的物品，细说生活中的小故事、广泛的历史、幽默或悲剧片段，甚至探索联系女性生活……别有一番风趣。

随着时代、科技的发展，人类自身审美转变的可能性有所增加。这些可能性可以通过永久性的转变（如整形手术、植入物、纹身），非永久性的改变（如衣服、配饰、染发）形式发生，除此之外还可能通过数字虚拟空间的模拟手段实现。在虚拟空间中，视觉变化的可能性、速度和动态性可以达到极致，并与数字文化中的当代文化节奏及人们对“新事物”的渴望程度相匹配。从另一个角度来说，数字化提供了一个广阔的空间，人们在这个空间中体验着激进变革过程中的模拟手段。尽管如此，我们看到有很多数字化视觉效果都突出“恶化”了人类标准的美化形象，或者是加入了科幻小说或恐怖图像中的混合图像，这些元素在消费文化中被认为是一次性的。“极限自我物质”是一系列自画像(3D扫描并转化为3D动画)，呈现了人物与其他物体或材料的质量的转变，可以被理解为新自由主义日常生活中的提炼象征。当人在消费这些物品的品质时，它们也成为构成人类以及人类本质、文化的一部分。

Bill Aitchison介绍了自己2020年在中国天津伊甸园云上表演艺术节的表演。该表演分为两部分：第一部分是Bill Aitchison以生态为主题的房地产开发项目周围各地点扮演外国政要的社交表演；第二部分是Bill Aitchison撕碎了自己身上的燕尾服，然后慢慢走进山里。这对中国房地产开发商资助的艺术节、英国与中国的商业合作、绿色生态和燕尾服在中国的地位进行一些背景分析。Bill Aitchison认为，从实践即研究的表演角度来看，这部作品集社会表演、特定地点表演、跨文化表演、服装、迈斯纳技术、动作艺术和有形哑剧等因素为一体，是独特且有价值的表演研究对象。

Ricardo André S. Bessa发表演讲，旨在引起人们对巴西东北部地区朱尼安广场舞团中新娘和皇后服饰的关注。服装在这些广场舞团中至关重要，新娘和皇后所穿的服装展示最多，与舞蹈编排互动，由此激发出广场舞动作的无限可能。Ricardo André S. Bessa认为，服装对于广场舞团的发展是至关重要的。

《你可以带我回家，托尼》（由英格兰艺术委员会和舞蹈城市资助）是由个人故事主导的自传体表演项目，探索表演制作人Smith与80年代流行偶像Toni Basil及其口碑视频专辑的联系。作品的核心为“羞耻”，引发人们对“过错”的思考，探索人的本质以实现自我接纳。该项目包括由荷兰设计师Daphne Karstens设计的独特的可穿戴艺术服装，Lorraine Smith旨在利用服装来探索记忆，并以发现隐藏意义及隐喻进行讨论。此外，口语文本、服装和动作之间不断演变的关系，以及服装在与观众沟通、面对具有挑战性的主题(性侵犯、羞耻、身份认同、女权主义等)方面的作用，也将被研究。最后，Lorraine Smith将回顾制造商、表演者和设计师之间的合作关系，以及由于冠状病毒疾病和国际旅行限制，如何维持和挑战这种关系。

AHRC资助的Fabulous Femininities项目研究了在英国当代滑稽剧亚文化环境中，戏剧女性气质应如何通过服装体现和表演的相关问题。由于滑稽剧是一种以白人为主导的亚文化，许多POC滑稽剧艺术家的服装被认为是表达种族身份和亚文化归属之间交集的敏感地带。事实上，许多POC的表演者穿着戏服，明确地强调他们的文化遗产，坚定地将非白人身体置于滑稽剧表演中。尽管如此，人们发现通过服装展示种族是很复杂的，但也正因如此，服装在展示种族以及文化归属上具有相当重要的作用。Adele Mason-Bertrand以混血儿的身份揭示种族、服装和滑稽剧表演之间的多方面关系，并进一步讨论如何通过服装设计和制作过程来展现种族自我意识以及文化归属感。

在Prince广阔的职业生涯(1975-2016)中，这位音乐家以无数种方式利用服装创造联系，包括在他的粉丝群体和更广泛的公众中可见或不可见的联系。服装使Prince能够表达他自己越界的服装身份，同时在全球粉丝群体中培养一种有凝聚力的服装语言，这种语言在他死后仍然存在。Casci Ritchie通过时尚、博物馆、物质文化和粉丝研究，试图探讨如何通过粉丝的着装实践来检验Prince的艺术遗产。基于对Prince的个人服装灵感的分析及对Prince粉丝的案例研究，Casci Ritchie批判性地审视粉丝们复制或重新想象Prince服装的创造性方式，认为粉丝制作的服装并非简单的模仿产品，而是作为表现社区及友谊的服装符号的具体表现。此时，服装成为粉丝群体跨越语言和界限共同表达悲痛的显性媒介。

塞尔维亚的2022年欧洲电影节入围作品，Ana buric Konstrakta的作品In Corpore Sano被认为是比赛最具艺术性的表演，Konstrakta的服装和她的整体视觉形象对表演的艺术价值具有开创性意义。虽然Konstrakta的服装并不是塞尔维亚民族认同本质的特定标志，但是通过批判性地接近它们，Konstrakta将服装视为一种连接媒介，象征性地在“欧洲”舞台上传达塞尔维亚身份。Stefan Žaric在解读Konstrakta服饰的基础上，还讨论研究塞尔维亚的泽尼主义运动、玛莉娜•阿布拉莫维奇的行为艺术、《麦克白夫人》、达芬奇的《最后的晚餐》、阿莱格里的《悲惨世界》、梅根•马克尔的《冠状病毒疾病19》、作为南斯拉夫工人阶级女性象征的所谓“Borosane”鞋子等服装，并检视了这些服饰之间的联系，将其作为传达塞尔维亚艺术历史和社会政治焦虑的具体体现。

遵循往届Critical Costume的开展形式，Critical Costume2022会议依旧包括“服装展览”板块，但此次会议有一关键区别：Critical Costume2022的服装展览从开始就是为“在线”展览模式设计的。通常情况下，每位设计师的作品都可以通过访问网络进行研究，但Critical Costume2022的中心思想是深入探索参展设计师的作品。选定的作品不是作为所谓最终结果进行分析，而是作为一个“案例”进行研究，旨在放大设计师创作过程中的轨迹，如此可以揭示设计师创作时的相关调查以及个人兴趣。当Critical Costume2022确定主题为“联系/连接”后，服装展览板块试图找出这种联系的痕迹，以及设计师创造时烦恼、好奇或激情等情绪的来源。Critical Costume2022想要通过采访和激发来揭示设计师们的个人影响以及社会关注。除了通过远距离访谈和设计师自我录制视频来创建这个虚拟展览时必然会遇到的技术难题外，Critical Costume2022还对设计师们提出了概念以及实践上的挑战。但通过鼓励不同的“连接”，如“物理连接”（服装连接灯光、绘画、皮肤、声音、表面）；“哲学和心理连接”（服装连接文化、生活、记忆、隐喻、世界）；甚至是“政治连接”（服装连接意义、女性主义）等，14位设计师的作品通过虚拟展览展现了别样的艺术魅力，也通过“联系/连接”这一主题得到升华。

中国戏曲学院副教授、中国舞台美术学会服装化装专业委员会副主任秦文宝在次环节就“连接诗性：新东方水墨艺术”的主题展开讨论。他认为在水墨服装的创作过程中，笔墨既是中国文化的符号、也是艺术家表达情感与思想的媒介。中国戏曲舞台服装设计有着严格的程式性规约，但无论程式性多么严格，设计师的身体、心跳、呼吸和情绪都会影响笔墨最终在服装上的表现。手绘水墨呈现出创作者的个性和心境，并表现出某种言有尽而意无穷的诗性之美。

服装清单存在于许多地方：博物馆收藏、档案数据库、服装仓库、服装目录、舞台经理的记录和更衣室说明等；作为清单，它们记录了一系列关系，显示了一件逐项列出的服装如何保持其“特定而持久的财务价值”，同时提醒我们注意到一个角色的具体表演所附带的“生动魔力”。对于服装历史学家来说，库存是证明某物存在的主要形式；对于艺术家或公司来说，它是记录使用中的物品的一种方式。在此基础上，Rachel Fensham采用服饰清单作为数据来源，将意义编码到编舞作品中服饰的选择、维护和外观上。Rachel Fensham以非裔美国舞蹈家的凯瑟琳•邓翰作品《拉格雅》为例，透过不同的分析单元，揭示舞者服饰与其他社会文化密码之间的关系。Rachel Fensham将服装作为数据进行详细检查，这种方法可能会扩大服装代码与表演之间的联系。

1913年，一位莫霍克族(Kenien’kehá:ka)将诗人兼表演者E.Pauline Johnson Tekahionwake的“印第安服装”捐赠给了温哥华博物馆。这套服装是专为Johnson的独奏设计的，是Johnson多产表演生涯的一个重要特征，也确保了Johnson作为“本土戏剧和表演”的“文化继承者”的重要地位，是二十世纪前土著职业表演史上最重要的文物之一。Alexandra (Sasha) Kovacs通过仔细阅读文献、收集大量图片以及博物馆参观，研究总结Johnson职业生涯中不断变化且复杂的服装设计，并解释这些服装既被定义为演出“礼服”同时又代表民族工艺品的原因。此外，Alexandra (Sasha) Kovacs提倡一种新型的博物馆学方法：将Johnson的着装与其服装历史、演出背景重新联系起来，这可能会促成这位重要本土表演者的新史学。