《我是服装，我在倾听》

Vanessa Lingham

（Guildhall School of Music & Drama,UK）

Vanessa Lingham旨在探讨“联系”这一概念，以及服装在舞台和银幕上表现吉普赛人、罗姆人等等这些游民（GRT）的作用。Vanessa Lingham试图建立网络和空间，与来自游民社区的人建立联系，通过创造性消除人们对GRT的陈旧观念，以提高游民社区在表演艺术中的地位。在与游民合作的过程中，Vanessa Lingham参与研究服装活动项目，并致力于“设计——制造——使用”服装的工作。Vanessa Lingham在实践中把“倾听”作为重点：倾听GRT人民的故事，然后收集他们的意见。Vanessa Lingham认为通过“倾听”产生的视觉服装艺术，更有利于解决游民声音被边缘化的问题。

《电影轻/织物重量：集市、马场和监狱庭院到电影服装的演变》

Drake Stutesman

（New York University）

从14世纪的欧洲城市行会游行到20世纪的电影服装，都因为织物的存在形成直接联系。几个世纪以来，织物一直是欧洲的主要产品：首先，布商是行会的创始者，当行会慢慢演变成市场，市场演变成集市，进而演变成马场，马场演变成马戏团，再由马戏团演变成剧院……可见织物始终参与着欧洲经济、娱乐甚至艺术的发展。其次，城市中的集市是在教堂和监狱的前院举行的。监狱的院子里举行处决，并上演讽刺政府的木偶戏，这些空间的演变，使其成为市场、教会、国家、娱乐、死刑和社会反叛力量的结合体。可见，织物对于戏剧的发展起到非常重要的作用。再者，许多剧本将服装描述放在舞台说明之前，通常会填充有关纹理、轮廓和颜色的描写。这表明服装对舞台观众和后来的电影观众的意义重大，并表明几个世纪以来，有关织物面料的关键作用仍然是20世纪电影界各种舞台的核心。Drake Stutesman着眼于这些脉络，并展示这些内涵和联系如何延续到20世纪中期。

《打造英雄黑皮肤的实践》

Lorraine Henry King

（London College of Fashion,University of the Arts London）

Lorraine Henry King通过研究黑人演员在动作冒险电影中鲜少露出黑色皮肤的现象，认为黑人英雄主义的机会在荧幕中占比较少。Lorraine Henry King将黑人演员的皮肤看作“服装”，并以美国演员、说唱歌手和电影制片人威尔·史密斯为基石，来研究好莱坞动作片中黑人英雄的“皮肤”：史密斯多次完全按照好莱坞的英雄传统来装扮自己，提供了颠覆以往陈规定型观念的独特例子。Lorraine Henry King的演讲重点旨在如何利用实践来支持多元性（以威尔·史密斯为例），重塑以往电影中黑人“皮肤”服装的惯用方法。Lorraine Henry King将“皮肤”延伸到“服装”领域，通过这种跨学科的视角探索服装，进而形成一个新的研究领域。

《服装的联系：芭蕾舞中的服装制作》

Caroline O'Brien

（Toronto Metropolitan University）

芭蕾舞者比大多数表演者更需要将服装融入表演，那么谁来准备他们的服装？如何准备？在制作者创造新服装的同时，对制作传统的依赖又在哪里？Caroline O'Brien探讨了服装制作者及其技术：制作者对舞者身体运动、服装材料的组合方式等有更好的理解，更有利于创造出有助于舞台上的精美服装。Caroline O'Brien将服装制作者作为研究焦点，使服装制作者与舞者之间、服装与表演之间建立了紧密联系。

《18世纪服装和舞蹈身体之间的联系》

Petra Dotlacilová

（Stockholm University）

戏剧舞蹈具有各种风格或流派：严肃的、卡通的、滑稽的和怪诞的。每种风格都需要不同的舞蹈动作支撑，不同的姿势和服装也有助于创造各种风格的情绪表达，在此基础上再根据角色进一步多样化。Petra Dotlacilová展示了如何通过面料和配件的剪裁来体现多样化的审美，同时通过对各种流派的舞蹈以及保存在各种欧洲藏品中的服装的研究，探讨服装与舞蹈之间的联系。

《躯体化装试衣间——通过感官和物质机构进行连接》

Sally E Dean

（Oslo National Academy of the Arts）

《SesTen:即兴运动的发声服装》

Pinar Gercek

（MSFAU）

在博士研究项目"SesTen"中，Pinar Gercek为舞者创造了嵌入触摸/压力传感器和各种声音记录装置的服装。舞者的动作触发了声音，相应的，他们的动作也受到了其创造的声音的影响。触摸和即兴舞蹈与这些发声服装碰撞，创造了舞者、声音和服装之间不断变化的配置和联系。当一个人的身体或另一个人的身体在这些传感器上施加重量时，电路就会关闭，身体的接触创造了不断变换的形状和声音景象。这些服装可以在很大程度上根据运动中的身体来设计，它们只有在运动中的时候才能通过声音找到它们的意义和表达。SesTen是一个实验性的表演实践，它在移动的身体、服装、技术、声音和空间之间建立起相互交织的新兴关系。

《<告别——风的旅程>：在有形与无形之间构建视觉书写》

Elisa Rossin

（University of São Paulo）

Elisa Rossin在2021年大流行期间创作了视觉诗《告别——风的旅程》，该作品包含了面具、木偶剧、电影、动画等各种视觉艺术之间的相遇。在这个混合领域，“物质的诗学”是场景写作和戏剧构造的起点。艺术作品的主题是“死亡”和有关“存在”不可言喻的无限性，是关于祖先和生命的奥秘及所有非物质性的美。Elisa Rossin目的是讨论手工制作的服装、布景和木偶（以及所有场景材料）如何成为作品主题的视觉翻译，如何承担意义，如何通过物质性存在延伸感知和想象的领域。同时Elisa Rossin介绍了在该作品中为表现感知、感情、记忆和创造之间的自由转换，引发了对如何在身体、物体和主观情感之间建立联系的讨论。

《ANIMA——通过尼娜·沃格尔(Nina Vogel)的彼得与狼(Peter and the Wolf)的服装设计将制琴师和木偶戏联系起来》

Nina Vogel

（Independent）

《亚马逊服装的印刷技术：以<<>索赛格传说>为例》

Graziela Ribeiro Baena

（Federal University of Pará）

Graziela Ribeiro Baena为2022年5月巴西Belém do Pará市举行的 "Sossego的传说"的表演服装创建一个传统、精美的图案，其灵感来源于当地的手工陶瓷作品：自前哥伦布时期起，这个地区的人们就开始参与陶瓷的生产，显示出一种特殊的几何风格。Graziela Ribeiro Baena目的是分享这个图案的创作过程，并在亚马逊环境中讨论实现这个想法所涉及的技术和印刷技术问题。

《发光服装作为讲故事的元素》

Bonnie Garland

（University of Calgary）

Bonnie Garland重点介绍了其作为服装电子设计师和助理服装设计师在作品《阵地》中的工作经验。作品结合了传统服装与晶体学，以服装戏剧性作为连接介质：将1890年代的传统服装转变为人体大小的发光晶体，其中包括1080个侧发光的LED服装编程，进而提供了一种体现蜕变的氛围、历史的相关性，以及角色发展的视觉表达。这个研究项目还涉及到许多专家的合作，并有机会参与专门为以服装为重点的可穿戴技术的新软件的测试。Bonnie Garland认为该作品作为一个新兴概念的产物，这项研究是非常成功的，并可以很容易地适应未来表演。

《服装倾听的伦理困境》

Charlotte Østergaard

（Lund University）

Charlotte Østergaard讨论通过服装倾听的伦理困境，以及合作中产生的“纠葛”。Charlotte Østergaard发现当邀请参与者通过服装共同研究潜在的联系时，会不断面临伦理上的困境。Charlotte Østergaard认为作为研究者，必须接受共同创造过程中的混乱和道德困扰，并学会"以非判断的方式"倾听。同时，有必要抛开个人观点和假设，以培育一个开放空间，让共同创造者的“纠葛”能够蓬勃发展并创造新的可能性。通过倾听，我们可以共同探索我们之间的联系。因为倾听是肯定的，也是批评的。

《特拉维斯·哈奇森(Travis Hutchison)在ATOPOS cvc RRRIPP!!系列中设计的“崇拜”连衣裙：连接TYVEKTM作为材料》

Myrsini Pichou

（ATOPOS CVC, Athens）

在2007年出版的“纸”的背景下，由位于雅典的ATOPOS cvc组织的RRRIPP！！创作出500多件由纸或类似纸的织物制成的服装，及由Travis Hutchison设计的用TYVEK™（一种类似纸的材料）制成的六条裙子系列。2022年，在雅典骄傲节之际，ATOPOS cvc决定重新尝试，并与希腊摄影师Ioanna Chatziandand合作，通过这些裙子组织一场时尚表演。在这次表演中，“性别问题”和“变装文化”被提及，以努力将当代与这些裙子联系起来。Myrsini Pichou讨论了这些裙子创作背后的各个方面：它们作为实验服装的用途，以及裙子上描绘的人物与环境之间的联系等。

《(BE)LONGING——通过物质联系重新定义合作》

Ilaria Martello

（LCF, University of the Arts London）

Ilaria Martello通过分享一个简短的新芭蕾舞作品的创作过程，并借芭蕾舞服装阐释人与周围物质之间的联系。Ilaria Martello认为服装是一个有行动力的实体，服装可以不断地对其自身的空间和行动进行重新安排和重新配置。Ilaria Martello的讨论重点是分析一块布在芭蕾舞中作为服装、材料、道具、思想、感觉、“人”……与周围环境的联系，以及它在舞蹈叙事中的作用。这旨在扩大服装的概念，布作为一个实体，同时与创作过程中的所有参与者一起具体化、抽象化。人与布的物质性以及周围空间之间的对话，将有助于重塑人们对边界的看法，抑或会产生新型的联系与连接体验。

《METAMORPHOSIS项目：材料和身体的合作》

Zuzana Hudekova

（Independent）

METAMORPHOSIS项目于2020年开始资助，该项目的主要目标——变形，旨在创造服装的过程中改变它们的外观和形式，与舞台、表演者的身体动作、灯光或声音结合，形成一场创新性的“变态”现场直播。Zuzu Hudekova尝试连接各种形状和材料，以挖掘服饰的更多功能——遮风挡雨、角色的私密空间、表达角色性格等，如此服装与身体产生积极联系——碰撞出疾病、抑郁、悲伤、孤立等抽象因素……同时Zuzu Hudekova认为服饰应与当下年轻人的风格相适应，并成为连接点，进而创作符合现代审美的视觉作品。

《当合作变成实践：<哈姆雷特>原声制作》

Virginia Vogel

（University Nevada Reno）

Virginia Vogel认为服装设计师能够通过服装设计，对角色诠释产生重大影响。角色的情感、背景和意图表达，不仅来自演员的视觉面部表情，还来自设计师对服装及其含义的解释。演员移动身体上由线条、颜色和形状等元素组成的服装，形成独一无二的风格。这种视觉表现所传达的信息，无论是隐晦的还是潜意识的，都可以用来彰显跨越语言、时代的角色形象。

《身体项目：探索物质性对具身人际关系的影响》

Sarah Mosher

（Baylor University）

Sarah Mosher认为服装的物质性可以在表演的背景下，探索人在受到具体创伤时产生的身体联系。在大流行期间，Sarah Mosher对不同个体面对公共压力和创伤的产生的类似生理反应的方式感到震惊。于是便开始尝试手工编织作为一种冥想实践，使用生物塑料来体现内在的审美本质，如制作类似镜像神经网络、静脉和皮肤等仿生造型。表演者利用Sarah Mosher制作的材料，在特定地点进行户外表演。场景、服装元素从表演者的身体延伸到整个空间，引导观众考虑自己的内在以及外部创伤的感受。这件作品试图与当代对话，讨论了人与环境的联系，并引发人们对自身存在于归属的思考。

《琼·萨瑟兰夫人服装系列：从舞台到数字领域》

Margot Anderson

（Australian Performing Arts Collection）

2019年，澳大利亚表演艺术收藏馆（APAC）收到了由澳大利亚歌剧院捐赠的琼·萨瑟兰夫人（Dame Joan Sutherland）的服装。该系列由30套完整的服装组成，涵盖了萨瑟兰广泛的表演服装，并展示了来自世界各地的领先服装设计师的作品。通过“协作联系”的视角，Margot Anderson将重点介绍萨瑟兰与设计师和制造商的联系，以及如何在在线展览“盛大：琼·萨瑟兰夫人收藏的服装”中探索这些关系。此外，Margot Anderson介绍了自己与迪肯大学建立的新合作伙伴关系，该合作伙伴关系致力于萨瑟兰一些最重要的服装的3D模型的制作，其目的在于捕捉后台体验的虚拟现实（VR）原型。

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