丁凡：

这里有个预设，把自己喜欢和小项目联系起来，把背离审美和大的商业项目联系起来了。

电影行业也会有类似的说法——好莱坞（商业）与艺术是相对的——至少艺术电影爱好者是这么说的。我最喜欢的导演是李安、冈萨雷斯，最喜欢的电影音乐人是坂本龙一、汉斯季默。但我认为他们即是好莱坞也是艺术。设计中，我常常以这些创作者作为我的坐标，帮助我来判断、选择、平衡商业与艺术，个人喜恶和公众审美的微妙关系。

另外，很多时候“直觉判断”也会是一个好的方法，常常可以超越理性的分析。特别是在面对非常具体的情境时，直觉会自然蹦出来，告诉你自己心里的答案，帮你做出选择。

丁凡：

相较于市场上很多CG广告，影视包装，我们工作室数字设计的独特之处，在于平面设计的DNA。我们习惯去找到更核心的东西，去掉多余的部分，再使其数字化表达。最后，常常呈现出清晰、简洁、利落的结果。这也是我们的数字化和市场上一些CG公司最大的区别。

丁凡：

首先要看“学生气”是什么，这个描述听起来包含了很多东西，它有可能会被描述为天马行空、富有想象力，或者充满活力和勇气。同时，也可以描述为作品完成度不够、执行层面太多漏洞，以及对作品的理解不够深刻。总之，有多少优点，相应的就有多少缺点。我们应该具体的看这个词背后都代表的是什么，在“学生气”中找到自己的优势和机会。

另一方面，当我们在商业项目的语境下谈论“学生气”时，通常它指的就是经验不足，当你无法精准判断和认知客户的需求时，往往作品最后会让人感觉差点意思，此时也是一种“学生气“的表现。

丁铭：

我们两个人其实在风格和工作方法是比较接近和趋同的，不管是交流、沟通还是产出。我们希望工作室可以在碰撞中出现和生产更多的风格。针对不同项目，背后的文本都是不一样的，设计师要做的可能就是根据自己的理解去呈现这段文本。

Papa：

风格是自己的逻辑推理产生的视觉结果。根据这样的工作原理，我们不会把自己的风格和结果性的东西预先前置，因此我们在工作方法中，不论是视觉的进入和产出、产品的进入和产出是两条路线，都会基于内容和产品去输出。因此我们的工作方法是基于品牌的沟通去一步步建立需求，秉承风格后置，逻辑前置。

丁铭：

在葫芦的项目里，我们开始是毫无头绪的，因为它涵盖的内容十分庞杂和跳跃，这时候你能做的其实就是整理头绪，哪怕是从一个草稿去体现和展开。

Papa：

当你毫无头绪的时候，我的方法是回到原点。

丁铭：

转换思维、开发不同的语言。工作室的新鲜的活力需要我们对生活很敏感，把生活中一些忽略的点反哺到设计方案里，并且永远保持开放的态度和新鲜的视角。

Papa：

关注一些新技术的转化。包括在生活中的视觉积累以及对于新技术的转换都是发现视觉新规律的经验积累。

陈超豪：

通俗的来说保证了产品的美观，当别人不了解你和你的品牌的时候，好不好看这个问题是很重要的。我认为平面设计师最重要的是提供一个故事线或者一个思路，比如说固定包装的时候运用的贴纸，我没有选择印logo而是选择了数字，给每一个购买者一个独有的编号，使产品能更有延续性，总的来说平面设计师需要利用你的思考来建立语言，而不是单纯的做一个好看的视觉效果。我在做品牌的过程中希望弱化它的视觉感受，而更注重整个购买流程体验。至于独特的地方我认为KOOK TOT给用户的体验感是大于产品定价的。

邹天赐：

我觉得最重要的一点是三个人一起做设计，设计不仅是衣服本身，还包括平面、摄影、销售方式、宣传方式，因为三个人的想法不一样，呈现在服装上是有一定跳跃性的、意外性和不确定性，它并不像一个人做品牌那样完全是一种风格，三个人在设计的时候有冲突有碰撞也有相似，从而产生意外性，让品牌设计手段丰富多元。

陈超豪：

在服装行业大家都特别喜欢去消费一些好的文化元素或者文化符号，当你要做一个很具象的文化符号的时候，它往往会变得很表面。至于如何打破这种束缚，对于我自己来说就是不触碰、保持敬爱，因为中国有很多东西不需要过分解读，老老实实做自己就挺好的，我觉得还有用更多方式展现个性和风格，这是个人愚见。

梅数植：

我没有收集整理素材的习惯。我看作品的好坏，就是看他是否真诚，是否真的考虑到设计和使用者的关系，看作品形式和他真正服务的对象，或者他在特定语境中是否能合理发挥。设计师的出发点真诚，那么这样的设计我认为是好的，我也自然会被这样的设计吸引。

连杰：

我们工作室没有专门建立素材库。我们平常的生活中会去讨论对一个作品怎么看，在讨论中从立意和思想上突破，也会去看别人的作品。但我觉得尽量要少看，看多了会在感官上刺激你，如果你不够坚定，你会随之被卷入到某一个潮流中。当然单纯有单纯的力量，博学也会有博学后优秀作品的产生。

李习斌：

资源库我是有的。当下所处的是一个相对自由的环境，形式语言太容易被模仿，大家在这个过程中缺失自己。我们当时不会有过多对自己认知的东西，处于学习的阶段。上次我和佐佐木聊天时，早期他认为中国的设计是宏大叙事，带有某种强烈视觉感，能够将所有文化底蕴挖掘出来的，这是他们对于中国设计师的印象。但在接触了很多中国设计师后，他从另一个视角打开了中国当下设计的一扇窗户，他会发现中国的设计也有轻松的、舒服的，其实这个点正是你们当下很鲜活的点。在这个过程中大家一定要摒弃信息爆炸带来的迷失，坚持选择一个适合自己的方式去表达自己。

李习斌：

其实我们做超级植物的动机很简单，因为之前我们一直在服务于别人，作为设计师本身我们不是风险承担的主体。因此我们想自己去做一个品牌，转换身份，站在不同的角度思考问题。在超级植物前我们做过四个品牌都不是很成功，后来发现品牌不是设计师可以独立完成的。有了之前的经验，我们会很理性的思考我们要不要做？如果要做我们缺少哪些人？

品牌的供应链、财务、包括定价、售卖、运营等问题是很琐碎的。我们会去找专业的人去做，找到伙伴去解决我们不能解决的问题。当然品牌的基因是创始人负责，我做我份内的事情，在整个过程当中，身份转变依旧是很纠结。

现在我觉得回归做设计是幸福的，我们在想是不是可以把超级植物变成一个为设计师服务的团队，我也一直在这当中找到平衡点，让有创造力的人能够在一个团队中发挥自己最大的价值。

梅数植：

风格是一种工具，潮流的含义是当下比较受欢迎的，因此潮流也是不断迭代的。风格不是本质，而设计是需要有本质的内容，对于这个问题我认为应不规避也不追寻，不应该把风格作为追寻的点。形式与风格的选择应用应看当下的设计项目它是否需要某种风格，若它需要有时代性潮流性，那就用当下的语言去做，但若它不需要追求流行，那我们则应该选择更为经典的，去做跨越时间的设计。

每种风格都是由设计师创造出来的，从自己内容本身出发，不要在大的潮流趋势中迷失自己，应该去看本质，看到项目背后的发展可能与可持续性，就像股票的走势，如果单纯的关注其走势的起伏，那么你会在其中迷失自己。平面设计师在做设计时应去构建自己的一种状态，将平面设计作为一种手段、方法与表达方式。

连杰：

对于这个问题我想从两个层面去解答。第一个层面是委托性的设计，这种情况下是由业主决定你创作的高度，你可以努力将自己的想法尽可能的传达给业主，若他不能接受，那你需要在当下风格中找到一个相对来说适合他的，与他的品牌贴合度最高的。第二个层面是个人创作，在这个过程中我会有意的规避当下的潮流与风格，在思考时绝对的去避免，这对我来说是一名设计师应该做的。

当我在评判一个作品是否抄袭或者同质化的唯一点是动机。当一个作品逻辑完整自洽时，那它没有问题，但若动机是为追逐一个风格或目的，那我认为这是设计师必须要去避免的。设计师本身应该是有创造的价值，设计师最终要面对自己，学会审慎的选择，保持警惕，从不同的维度与视角去看，会让你变得更开放，从而尽可能的突破自己。

李习斌：

我觉得这个问题可以衍生出另一个问题，潮流趋势与社会环境，设计师的价值是什么？不管流行趋势怎么变，设计师的品味不会有太大的变化，而这种品味是随着时代的变化，它也在进化迭代然后表达。

梅数植：

动态设计在国内还是挺多的，只是做的没有国外那么好。为什么中国做的不够好？首先是因为中国设计体系不够健全，设计分为设计总监，艺术指导与设计师这三个身份。在中国设计师群体不够扎实，缺失执行的设计师。像我们在设计中大多都担任着艺术指导、设计总监的位置，这时候就需要很多其他类别的设计师去辅助。这是完整链条中一部分的缺失，从而导致我们平面设计师经常用简单的方法去做设计。其次是社会所产生的不安全感，导致大家都会朝着一个成功的方向去做，大家都想成为那个成功的人，把不成功的人去剔除掉。我更希望大家能够应该追寻自己的内心，挖掘自己真正喜欢什么，在团队工作中各司其职，完善设计体系。

李习斌：

现在超级植物在拍视频，我们就请了北影的导演，不是“找”而是“请”，在这个过程中请的每个人都应得到尊重，那么最终你的作品也会被得到尊重。

我希望未来的设计师能够在某个领域挖得更深，从而使设计行业变得颗粒度更细，链条更完整。

李梓菲：

如果问的是字体本身的话，在做结合的时候，我们仍然是兼顾到了它的美感，因为是来自不同字体的组合，所以它会有一定的系列性，它会有一定的规律。虽然它看起来都歪七扭八的，但它其实还是存在在一个笔画粗细的尺度里面。然后去做出某一个字之后，它会被当成一些比较极端标准的坐标轴的顶点，再把它往回拉，根据不同综合的评判，它们也需要进行整体的调整，所以说这个度还是会放在一个全套的范围里面去把握。

李梓菲：

我觉得限制这个事可能分方面，一个是我讲的与品牌合作的这些案例，如果说品牌本身沟通下来，他们想要传递的就是插画，或者就是3D，那我们显然也不会从自己的角度去进行这个合作，所以这个限制可能是需要沟通，因此它大概率算不存在。但我们做自己的项目，这些自出版，其实都是从自己的角度出发，同时我们也是在尝试去拓展各种可能性，一步一步的拓宽。所以我觉得，与其讲限制，倒不如说它是一个游戏的规则，这个是我们自己设定的一个游戏规则。

A1:

我们没有刻意强调谐音梗，也不想通过这个方式来博取他人的笑和关注。我们是很严肃的看待“谐音”这个问题的，它是语言学中“语音”、“语意“的一个分支，我们所真正关注的是不同语言环境之间的认知差异问题。如果把“谐音”、“谐意”比作语言环境中的一条裂隙，那我们便试图钻过这条裂痕，去寻找一个用图像和画面便可以通感的世界。

A2:

从精神方面出发，商业设计做多了之后会特别渴望回到个人创作中。我们现在的状态是每年会给自己两个月的时间，来进行没有委托的独立创作。对我们而言寻求自我与客户需求之间的平衡是一件比较内耗的事情，在日复一日的商业设计中如何抽身出来，保持一个冷静的创作者状态是我们现在最大的挑战。

A3：

设计行业中有三千块的委托，也有三千万的委托，在创业初期，不要用此来筛选你做好设计的决心。我们现在面对每一个项目都会尽全力去做，比较笨，比较毫无保留。当然我们也很清楚，在工作室发展到一定阶段时，一定会有更加高效和可持续的应对措施，即便是我们比较幸运能够走到那时候，回头看，也一定不会后悔现在对每一个项目的全情投入。

A4：

在社会关系这个前提下我认为这是很难统一的，但我们不认为这是一件悲观的事，因为人和人的相处是一个关系问题，任何事只要是关系问题，就一定很难被武断的定义，很难有一方去告诉你正确明晰的答案。所以作为设计师，我们现阶段能给到大家的建议就是，不断确认自己的同时全力奔跑就好，有一天各位会发现，决定你是否成为优秀设计师的一定不是社会的统一标准。