2018年，英文版《长靴皇后》登陆北京天桥艺术中心，此剧引发社会各界好评如潮，鲜活热辣的表演和冲击力极强的舞美视觉引爆了中国音乐剧迷的那个夏天，一票难求的盛况至今历历在目。

今年7月，韩语版《长靴皇后》即将在韩国忠武艺术中心上演，无数音乐剧的爱好者期待这一版本的变装皇后劳拉，藉此机会，向大家详细介绍这部脍炙人口的音乐剧幕后的舞美设计师大卫·罗克韦尔。

罗克韦尔在一个戏剧家庭长大，他的母亲是一名杂耍演员和编舞，经常让他参加社区剧目演出。他那无与伦比的舞台设计风格与早期的兴趣爱好沉淀有相当深厚的关系。罗克韦尔12岁时，在锡拉丘兹大学和伦敦建筑协会接受过建筑学培训从而转向建筑领域，并于1984年创立了罗克韦尔集团（Rockwell Group），该集团在2008年、2014年和2015年被Fast Company 评为年度全球50家最具创新性公司中最具创新性的设计实践之一。

进入建筑领域后，他仍然没有放弃对舞台的热爱，只是这份热爱从台前转向了幕后。《洛基恐怖秀》正是罗克韦尔设计的第一套戏剧布景，也是一段改变他职业生涯旅程的开始······

罗克韦尔设计的《洛基恐怖秀》于2000年在纽约广场剧院上演，他开始走出建筑舒适区，同时也将剧院以外的专业知识带到剧场里。

罗克韦尔利用电影为蓝本，一面突出它B级电影的魅力，一面在其中注入新的惊喜，他与导演、编舞、灯光师、服装设计师等人合作，接触到了更多戏剧概念，也更好地提炼想法与风格，确保所有的设计都能清楚和谐地支持故事。在这部舞台剧中还运用到新的科技，如动作捕捉和动作转换设计，它能够记住物体如何反射光线，并探索每个元素的象征意义。

通过罗克韦尔设计的环境，《洛基恐怖秀》为观众创造了一个全方位的沉浸式体验，从客人第一次进入建筑开始，酒红色织物覆盖的人体模型(以及各种塑料人体部位)布满了大厅，为这场奇异世界的表演奠定了基调。

在剧院内部，同样深红色调的手工褶皱窗帘从舞台向外延伸到观众席包围着观众。为了把观众和演出联系起来，罗克韦尔增加了一排额外的座位，使用了一个加长的推式舞台，同时为观众提供了五彩纸屑和其他可以扔的东西，还把乐队带到舞台上。

他与导演克里斯托弗·阿什利一起构思了无数个令人惊叹的场景，打破了人们的预期，引发观众内心的惊喜。他们把破旧的电影院改造成阴森的实验室，雕花的舞台拱门裂开，可以被自由推动；座椅突然翻转，消失在奇异的陷阱空间；而纱幕下降，露出扭曲的金属网格墙，包括枝形吊灯的运动以及一个悬浮的、装满烧杯的奇妙装置，还有一个织物悬挂的笼式电梯，弗兰克博士从天而降隆重出场，创造了一种惊悚刺激的视觉效果。

《长靴皇后》获得了第67届托尼奖包括“最佳音乐奖”在内的六项大奖，它取材于真实发生的故事。男主角查理·普莱斯是英国一家老字号鞋店Price & Sons的第四代传人。从父亲手上接过鞋厂事业后一直举步维艰地经营着家族产业。正在查理一筹莫展之际，他邂逅了才华横溢的酒吧歌手“变装皇后”劳拉(Lola)并发现这类人群中蕴藏着的巨大商机，劳拉建议查理和他的员工为现代人制作闪亮的红色高跟鞋。

通过人们对制鞋机器和19、20世纪制造业的研究，罗克韦尔在舞台上创建了一个过去时代的造鞋工厂——生锈的金属楼梯、积满灰尘的彩色玻璃和大型机械的复制品。三个弯曲的铁桁架，以强烈的透视向后退去，悬挂在舞台上方，墙壁是由钢铁工业质感的景片组成。

随着演出的进行，架子上五颜六色的鞋子和用品补充了日常的形象，强调了两个截然不同世界的碰撞。四条运转的传送带移动演员和鞋子，把原本实用的工厂机器变成了打造一场喧闹表演独特而必要的元素。

罗克韦尔说，“我们设法通过制作一个升降式平台，在两侧设有移动式楼梯，从而将灵活的利用这个空间，使舞台变为多层次的表演区域。”

工厂主场景保持不变，表达家族企业的恒久延续，但它的玻璃和标识采用了各种充满活力调色，更不用说那个标志性的巨大红色亮片靴子灯箱景片。繁杂的场景穿插其中，加上多变的灯光、朦胧的剪影和趣味考究的道具，展现了酒吧、变装俱乐部、拳击场甚至米兰时装秀的周边场景。

“我们想制作一个与Price and Sons工厂形成鲜明对比的高级时尚娱乐场所。”罗克韦尔采用了大量灯具，一系列镜子以及描绘超大尺寸鞋子的背光面板来创造这个无限反射的奇异空间。

《吻我，凯特》是由美国作曲家科尔·波特(Cole Porter)在1948年创作的音乐家，曾获得托尼奖最佳音乐剧奖。故事围绕着饰演莎士比亚《驯悍记》的一对恋人在舞台上和舞台下制造麻烦而展开。

从观众坐下的那一刻起，就被丰富的视觉层次深深吸引——线条感的轮廓、抽象的符号、巨大的木制帐篷形式的假舞台，让人联想到巴尔的摩老剧院。

《驯悍记》的故事发生在意大利帕多瓦，罗克韦尔通过一系列粉彩剪纸的创意设计绘制出了这一场景，然后由风景画家在更大范围内再现。如何通过透视法裁剪进行灵活的工作，表现多层次的框架，就像在透视模型中来表示每一层场景一样，这是罗克韦尔在此剧着力解决的问题。

“舞台下”的场景发生在一个粗糙简陋的小巷，浅色的框架背景吸引着人们对遥远繁华都市的关注；在剧院的后面是工业钢结构的楼梯、照明设备和钻机，这种多级安装将观众的视线吸引到不同的深度和方向。

图为《DRAMA:DAVID ROCKWELL》影印资料

尽管波特的杰作留下了许多可供解读和想象的空间，观众对场景的体验既熟悉又陌生、既直接又富有联想。罗克韦尔看似只是设计了场景，可当观众完全沉浸在节目中时，他与波特完成了创造性的默契合作。

与电影场景截然不同，戏剧并没有为人们描绘出完整的画面。罗克韦尔使用熟悉的片段、符号、声音和感觉来激发想象力，用情感和认知的火花解锁记忆力，并鼓励观众启发自身想象力填补空白，同样的过程也可以发生在建筑和设计中:形状、颜色、体积、表面和图形可以为看似静态的环境增加深度和意义。

《平常心》是一部具有分水岭意义的戏剧，讲述了纽约艾滋病危机初期的故事。2011年，在该剧首次亮相25年后，罗克韦尔帮助纽约的约翰·戈登剧院创建了一个新的舞台，这个场景是为了纪念那些死去的人和那些为了让公众意识到这种疾病而战斗的勇士们。

整体克制的色调保持了对表演的关注，而扑面而来的碎片化文字和图像则将故事建立在一个被破坏的社区的集体记忆中。罗克韦尔和导演George C. Wolfe一起，用几件当时的家具创造出了戏剧场景的独特视觉元素，可以让观众调动想象力共同完成整个画面。

图为《DRAMA:DAVID ROCKWELL》影印资料

随着演出的进行，最初由有质感的白墙所定义的布景变暗了，墙上的投影板上写满了死于艾滋病的人的名字。名单上的名字越来越多，直到它超越了舞台，进入了剧院本身，表明了这种疾病的传播和其毁灭性的影响。

这出戏结束时，墙壁变成了一个黑色的空洞，观众被笼罩在巨大的悲伤和失落之中，围绕舞台的三面有纹理的白墙让人想起了工业阁楼的彩绘砖。这些墙壁实际上覆盖着一幅三维拼贴画，上面有六千多张单独裁剪的名字、短语和与危机初期有关的统计数字。在光线的照射下，这些文字成为了这部剧的基调，投射的影像和新闻标题让观众回忆了那个时期的生活，以及感受到这座城市的LGBT群体所经历的愤怒、恐惧和困惑。

图为《DRAMA:DAVID ROCKWELL》影印资料

《杜丝先生》讲述了一个典型的纽约故事，其电影版早在1982上映。在2019年与导演斯科特·埃利斯(Scott Ellis)合作的舞台剧改编中，罗克韦尔把纽约本身作为一个重要角色，将其可识别的元素大胆地提炼成抽象的水彩画、网格灯光和强硬的线条。

无所不在的天际线随着故事的发展而变换，在节目的开场，一幅理想化的城市景观展现了纽约这座城市的浮华与浪漫。他用闪光灯和铬合金创造了克莱斯勒和帝国大厦等可识别的地标建筑的轮廓。之后的场景描绘了多尔西苦苦挣扎的日常生活中的“真实”纽约:光线、色彩和焦点从薄雾般的水彩调色板转向若隐若现、赤裸裸的抽象建筑。五楼的公寓里杂乱无章的细节——剧院海报、成堆的邮件和杂志，以及暴露在外的砖墙——充实了他的背景和艰难的处境。

灯光有助于区分城市和人物不同个性，亮度的变化引起情绪的急剧变化。LED灯带和各种灯光转换会强调天际线的鲜明形状，创造一个令人不安生畏的环境。在另一些时候，建筑的色彩在柔和、饱和的光线中显现出来，暗示着多尔西向女性角色的转变。

2017年，在纽约中央公园的德拉科尔特剧院，李尔·德贝索内导演重新演绎了经典莎士比亚喜剧《仲夏夜之梦》。在这个版本中，仙女们是居住在古老神秘森林里的长者。

罗克韦尔的设计灵感来自于纽约中央公园的树木，他把它们重新想象成有几个世纪的历史，充满了超自然力量。树木粗糙的根、枝与舞台融为一体，为演员提供了坐、藏和互动的表演调度空间。树皮夸张而凹凸不平的纹理是用模塑和彩绘的粗麻袋手工制作的，树叶和苔藓悬挂在树枝上，其中隐藏着数百个用于照明、独立控制且闪烁的LED灯。

森林背景随着故事的基调而变化，时而令人生畏，时而令人愉悦。在莎士比亚的戏剧中，森林充当了现实世界和另一个世界之间的门户——就像许多纽约人眼中的中央公园一样，这个场景强化了这种效果，创造了一种幻想中的幻像，在幻想中，魔法森林延伸到公园。

2015年，罗克韦尔与制作公司Radical Media合作，以展示气味、情感和艺术之间的相互作用为目的，在曼哈顿的布鲁克菲尔德广场设计了一个“情感博物馆”。气味在人们的生活中扮演着重要的角色，它能引发人们的情感反应，并留下一种可以伴随人们多年的印象。

互动式的立面墙壁上排列着LED彩色灯管，它们根据游客的动作而变化，就像一个运动的情绪环。在里面，有五个画廊装置以它们唤起的特定情绪命名，包括乐观、快乐、振奋、兴奋和平静。一系列与气味、声音和触觉元素相搭配的空间带着游客穿越生动的环境，就像在虚幻的云彩中或广阔的森林中漫步。

房间里装置有一个三维花卉动画的万花筒花园，含羞草、樱花和牡丹花的图像被投射到多面棉布上，然后扭曲、折射，并从镜面墙上反射出来。

罗克韦尔在戏剧上的成就远不止于此，2008年奥斯卡收视率创下新低，为了挽回人气，组委会请来罗克韦尔担任2009年奥斯卡舞台设计。没人比罗克韦尔更了解这个舞台，因为奥斯卡颁奖礼的举办地“杜比剧院”，正是由他本人一手设计的。

杜比剧院原名叫柯达剧院，是一座可以容纳3200人的室内音乐厅，也是好莱坞的地标性建筑。

art-deco风格的建筑

改造后的剧场观众席

奥斯卡颁奖典礼制作人说：“罗克韦尔集合了建筑、戏剧、电影领域的经验，正是我们要寻找的天才设计师。”

过往很多舞台设计不是大红就是金光闪闪，但罗克韦尔的设计简洁了许多，整体舞台色彩和灯光以蓝白基调为主，相比起来还有那么一点点高冷。虽然看起来一点都不热烈，却是继05年全屏幕舞台后造价最高的，灯光设备也是最多的。

舞台使用了92000颗施华洛世奇水晶，总重量高达3吨，这样可以更好地折射灯光，形成光瀑般的效果。根据不同的需要，灯光还会变成成金色、红色，营造出热烈的场面。为了增强舞台的现场感染力，舞台台板是历年最低的一次，距离观众席只有四步台阶。

这届奥斯卡的收视率有了反弹，平均每项指数都要比去年高出10%，罗克韦尔因此续任2010年奥斯卡舞台设计。

舞台保留了去年的“幕帘”设计，无数银白、蓝绿色的水晶片串成幕帘，唤起了人们古典又现代的感受。三个分层的圆形平台为舞台增添了动感和活力，作为摄像机和观众的转盘和焦点。层层叠叠的布景元素拼贴而成——比如戏剧性的银色窗帘和天花板上掉落的灯罩——形成了背景，营造出身临其境、震撼人心的空间感和深度，没用一分红却依旧衬托得大气。

2021，罗克韦尔再次担纲第93届奥斯卡的舞台设计，挑战绝非易事，因为除了必须在疫情中进行构建外，这些设计还必须美观且充满活力，以确保数百万观众不会感到无聊。正是出于这样的考虑，这次奥斯卡颁奖典礼第一次在两个地点举行：洛杉矶联合车站和杜比剧院，同时也是为了向老式好莱坞和公共艺术致敬，这在奥斯卡的历史上是绝无仅有的一次尝试。

此次奥斯卡的布景设计特色是四个独立的空间占据了车站的售票大厅，候车室，以及它的南北庭院。整个空间的集成技术将老式好莱坞场景带入现代，并赋予其额外的灵活性。

在整个设计中，罗克韦尔在多层座位阳台上设计了一系列定制的咖啡厅卡座，在面向舞台的较低座位上设计了定制的蓝色天鹅绒木制长椅。奥斯卡小金人造型的灯具为整个布景提供照明，并作为小酒馆风格的桌子的主要装饰品。

“在这关键之年设计奥斯卡仪式是荣幸的”大卫罗克韦尔说道：“人们渴望共享经验，特别是现在，我们试图庆祝我们缺少的社区艺术类型。奥斯卡仪式在盛大的同时，今年有了更多细节和亲密感。”

有些空间感觉像是一个拥抱，它们满足了人们对联系和庇护的需要，就像在一个茧中一样。温柔的曲线、饱和的色彩、柔软的材料和遮挡的空间创造了这种感觉。拥抱既是一种集体的行为，也是一种联系，它促进了一种共享的体验，让人们觉得他们是一个更大的社区的一部分。

他为奥斯卡创造的这个空间，在一个亲密的拥抱中笼罩着观众，这种拥抱在任何地方发生，而不仅仅是在舞台上。

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责编：郁美净