你当初高考两次，就是为了上油画专业，那时为什么一定坚持学艺术？

跟家庭有关。我父亲和美院关系也复杂，等于说生下来就在这么一个“工作室”环境，所以觉得艺术很有必要，就像人要吃饭睡觉似的。

那会儿艺术给你最大的快乐是什么？现在又是什么？

那会儿就是单纯地获得某种技法上的前沿，就是我会你不会，小孩子那种意气。

现在的快乐，其实经过了很长的一段痛苦，快乐是短暂，痛苦是永生的。就像现阶段探索的数字艺术，前方就是悬崖，但是悬崖下不知道是万丈深渊，还是小草坪？

你是油画专业出身，现在又以数字媒体为主要创作手段，为什么会有这样的转变呢？

根本原因就是我从小就喜欢这东西。小时候苹果手机刚出来那会儿，有时要去“刷机”，我就特享受这个过程，就像一个黑客，一边上学，一边去研究很多硬件软件之间的关系。现在没事也会去刷装机视频，特解压。

至于开始用数字媒介作为创作手段，是来自一个偶然。有一段时间，我太太骨折受伤了，我需要在家照顾她。那会儿迫不得已在家工作，在工作时发现很多实验性的东西可以在电脑上处理，一来二去的就扯上关系了。做数字艺术，可以说是一种“误打误撞”、“无心插柳”、“一直玩”的状态。

现在回过头看这些转变，它们之间有什么内在联系吗？

其实差不多。就像学素描、到水彩，再到油画，就是一种技法上的前进。只不过的预知可能会高一点，以前画画是先想象好，再去到画布上“翻译”出来。现在就是“直译”，想象直接就生成，多了些原汁原味。

人们总在谈论现在的数字艺术感觉总失去传统艺术的“物质性”，少了很多“在场感”，少了些许“温度”、你怎么看待这一问题？

其实在创作逻辑上是没有变的，数字艺术也有它的“物性”，我们把它概括为“数字感知”（digital sense）。

什么是“数字感知”（digital sense）？

感知的标准是变化的。数字感知不是说每一个人都有，甚至这有很大的时代性。就比如六七十年代年代的人和现在的人相比，社会命题都不一样，感知自然也不一样。

我们现在谈是谈不出来的，可能很多年后，有人会说21世纪有那么一帮人还做了一些很原始的数字艺术。历史会给我们所有答案，可惜谁也看不到。

你的作品多以“以太”、“元”等命名，多在探讨原初世界，“神”之类的，为什么？

我的作品一直在说同一个事情，也就是想挖掘一个背后的能量关系，或者是一个不可见的未知的结构，或者说是非物性的能量场。和神学的关系其实是有同根性，这和我的个人的经历，创作等等有关。

是怎样的个人经历？

2010年毕业后，我就去了北美的一些“无人区”驻留。那边只有很多森林和雪，一个人都没有。

那段时间感觉时间过特别快，几个月过得跟几天一样，每天谈天论地跟整个世界去交流，所以那阵子就养成了“神经病”的一个状态。

又是怎样神经病的状态？

一个刚开始是挺无趣挺无聊的，而且时差也很严重，跟国内刚好相反。时间长了。反而会去聆听身边的自然声音，也就把频率调到了和自然互相沟通的一个状态，这也是一种缘分。

那段时间的抽象作品也是跟自然有关，是把自然幻化成了一个新的抽象模式。所以我一直认为我的创作还是一个写实，只不过别人看来有些抽象的意味。就像诗和普通话一样，只不过诗是更为纯粹的、也更为抽象化的普通话而已。

在这段经历中，有哪些令你触动的事情？

没有一个特别确切的时间点，它是一个持续的时间段。那段时间几乎从头到脚，每个毛孔都打开了，大自然好像从身体里穿进去。它是很多东西默默组合到一起的状态，你和你身边的这些所谓的静物是一体的，现在回头看还觉得挺神奇的。

那时候住的地方有大海，每天去看潮起潮落，反反复复，看久了，觉着就像呼吸一样，真的像一个人，在和你身边去聊天说话。那是一个很庞大的生命体，很庞大的智慧。包括周边的树、石头、星空的银河……银河特别干净，伸手就能看到，而且是有深度的。星星有的在近处，有的在远处，它是有虚实的。说白了，就是站在宇宙里面去看星空。

当初为什么想要去这样一个无人的地方？

27岁那会儿，感到整个状态很堵塞。当时就去了一趟云南迪庆和香格里拉，出来的作品已经往那个方向走了，但是就很容易一下子就完成了。

其实创作的过程应该是去“破坏”的，而不是很容易就完成了。现在看那会儿的状态，简直灾难。

与之前静默的环境相比，现在的你其实处于一个有些喧嚣的环境中，你又怎样保持之前的感知和状态？

其实进不去，也出不来，那样很纯粹的创作状态，但是我知道那个东西是存在的，那么就继续用不同的创作手段来挖掘它，这是我创作的动力。

Moses似乎成为你创作的一个“关键”，Moses是怎么由来的？

刚刚一直提到，我在追求一个庞大的能量关系，它用不同形式在表达着。Moses也是我的表达之一，我开始希望给它简化成一个相对拟人的东西，或者是一个代表，去代表那些很多的思想和内容，Moses能带我们去进入到一个真实的世界。这也是数字艺术有趣的地方，它基础是数字，本身有逻辑在，这一就把之前我很模糊的、很主观的一些东西给去掉了，变成了一个客观的事物，把我想说的内容说得很清晰，对我来讲，这又是踏实地往前走了一步。

包括这最近拍卖掉的作品，它们都是根据各地的自然系数，我就像一个地理采集者去采集很多数据，然后在数据的基础之上再进入视觉审美体系，每一步都是做乘法，最终结果出来也挺有意思的，因为完全不是自己能猜想得到的。

Moses很百变，有时是雕塑，有时是“米奇”，有时是NFT，它不变的是什么？

用一个概括是，不变的是背后为未知的一切，但它又存在。

当你的艺术开始符号化了，也开始有很大的商业价值了，你会不会担心这些东西破坏掉你原初的那种艺术性？

可以说我的艺术跟商业一点关系都没有。像是你到底胖和瘦了跟你穿的衣服没有关系。

就看你的心态，你的自信够不够，如果你对你的身材很满意，你穿什么都好看，即使你有点胖。当你想真正的创作时，它卖得好不好，里面的内核还是没有变。

可能一些很年轻的艺术家，他就会一下子被这东西拿捏了，顺着跑了就很得不偿失了，这东西你拿捏得住，反而最终你会获得更多。

你也和汽车品牌 阿斯顿马丁、兰博基尼、宾利等的商业跨界合作过，合作的作品观赏性十足，对你来说，这些合作有趣的地方是什么？

有趣的是把晦涩难懂的一些艺术理念从大众的角度翻译出来。我现在更期待未来数字化的一些合作。

这一年，你的一些作品也被NFT收藏，你怎么看待NFT艺术？

怎么看？没法看了。

其实我对NFT特别不了解，但很莫名其妙自己在其中了。事实上，我只是追寻着用一种新的、当下的艺术来完成我更好的一个想法。

我们没必要去了解那么多当下最新的东西，这会影响创作本身。但持续地用当下的技术手段去完成一个作品，本身就是具有收藏价值的。从未来看，这也符合艺术逻辑。

NFT很大的价值在于其稀缺性，你怎么看待艺术的稀缺性？

数量上的稀缺性不是最重要的，重要的还是创作内容上的稀缺性，说得残酷一点，就是别人做没做过？别人有没有过这么去考虑问题过？这个东西是最珍贵的。但又不是刻意的去思考，当自然而然的思考比较深入时，稀缺性会自己出来，换句话说，也就是风格和个性会形成。

毕加索一万多张油画，几万张油画，但是他的作品永远是稀缺的。第二个毕加索就不行了，大家都会受不了，所以全世界只能允许一个毕加索存在，这才是真正的稀缺性。

这样的前沿的创作手段对艺术理念有什么变化？

可能因为走得太快，所以有时候甚至怀疑自己做的是不是艺术了，边界开始变得模糊了，有时候如履薄冰，有的时候大喜。

但是很多好的艺术品都是在一个很模糊的边界之下诞生的。我的感知是未来会落下去一段时间，然后再从新的一个角度冒出来，那时候可能就非常舒服了。

你也是经历传统艺术市场，现在又经历了NFT艺术市场，你在其中感触最深的是什么？

市场还是很残酷的。从传统的领域上说，一个时代肯定是结束了。我想把之前的一些能力，变成了一个砖，而不是一栋房子，这样的话会灵活很多。

你怎么看待艺术家这个身份？

艺术家这个职业，挺痛苦的，你要保持一定的热情，又不能完全被它吸走。当不太成熟的时候，更多的是一厢情愿的做事情，感情上很到位，结果却很糟糕。

你最近有什么新的创作？

今年在计划筹备个展。我更多的是希望呈现跟商业上不一样，数字变成商业特别容易。我在想怎么把这个作品的东西再往前走，一个稀有性的可能性上。

去年下半年可以说很用力的一个状态，再往前走的话可能不会那么用力。