朱莉·泰摩尔，美国最知名的导演（戏剧、电影）、编剧和舞美设计家。在造型设计方面，她创造性地使用亚洲风格的面具和木偶，使其舞台风格与效果独具一格。

朱莉·泰摩尔的演出被誉为“整合众艺术于一身”。她的作品吸收世界各地的戏剧传统，将各种艺术有机地整合到一起，并且在她执导和参与的多部作品中，都有对东方戏剧传统的融合。在她的作品中，面具作为一个不可或缺的设计部分，展现出了非凡的舞台魅力。

《狮子王》的面具造型引发关注，这部戏结合了印度尼西亚和日本元素，出神入化地呈现了一个别具风格的舞台版《狮子王》。

音乐剧《狮子王》很好地将视觉与听觉完美的统一，运用非洲风情的面具以及木偶的表演技巧，巧妙地展现动物的姿态。那电影里才有的非洲大草原的宽阔场景，你坐在剧院里就能感受到。更不用提那些一开场就与你互动的演员们，戴着面具，穿着形形色色的动物服装，从你身边呼啸而过，一下子就让你感受到动物世界的热情豪迈。

1992年，朱莉·泰摩尔与小泽征尔合作的日本歌剧版《俄狄浦斯王》中的面具元素十分突出。

以斯特拉文斯基于1927年创作的歌剧式清唱剧为摹本，在导演编创与舞美上都做了很大的创新。导演把古希腊的悲剧搬到了现代舞台，演员造型有明显的日本和太平洋史前文明的⻛格，融入了日本传统能剧和人形净琉璃的元素。

《魔笛》是由音乐大师莫扎特编曲，朱莉·泰摩尔和迈克尔·库里做服装、面具和木偶的设计。

这部作品富有想象力的外观与莫扎特在他生命的最后一年创作的喜剧相吻合。一部分是浪漫的幻想，一部分是闹剧的街头喜剧。泰摩尔的作品侧重于幻想，非常有趣，该作品于2006年首次亮相。

《鹿王》这部广受欢迎的作品于1984年首次在美国马萨诸塞州剑桥市话剧团登上舞台。讲述了一个关于失恋国王、魔法咒语和会说话动物之间的魔幻故事。

娱乐是件严肃的事情，关键在于我们作为爱人、骗子还是梦想家的身份。观众一进入剧场就会直接感受到强烈的泰摩尔印记——舞台上飘动的鸟儿、奇异的头饰和优雅的木偶。

卡特琳·布拉克，知名德国舞台设计师。卡特琳·布拉克的舞台艺术近年来随着极简主义风格在全世界的风行而受到广泛关注。她的舞台设计形式，无法用传统的舞台设计与技术概念加以界定，她以更为极端的勇气，从根本上打破了文艺复兴以来占主导地位的，描绘性舞台布景语言，不可避免地构成了新的与导演和演员的合作关系。

在《埃斯拉事件》中，大量黄色灯光的使用营造出了一种温暖、浪漫、细腻且炫目的感觉。

舞台元素的简约、梦幻、充满想象力，这是卡特琳·布拉克的惯用手法。使用元素的单一与繁多，创造出一种压倒性的磅礴气势。

在这个虚空的舞台上，卡特琳·布拉克只是借用了舞台上空降下的吊杆和灯具。

在演出过程中，带着灯具的吊杆上下升降，作为布景的灯具除了仍担负照明作用外，它们的旋转和摆动在配合演员的动作时常常近在咫尺，如同聚焦或放大角色的内心，面对罪恶感和责任，疯狂和社会规范，物质和形而上学的反应。

卡特琳・布拉克以其独特印记清晰显现在德国戏剧景观中。灯光、烟雾、气球、泡沫、雪花、雨水、纸屑等都是她能利用到的材料。

她的舞台，不止让整个舞台充满想象力，更值得注意的是，她让材料媒介本身成为设计表现语言，而不再只是描绘的工具。

第米特里·戈切夫（Dimiter Gotscheff）导演的《伊凡诺夫》的著名舞台设计，在巨大纱幕围绕着的虚空演区中，仅有有限的烟雾。完全舍去了那种几乎是契诃夫舞台同义词的视觉元素：白色桌布、茶炊、茶具和室内外陈设。

结尾处，伊凡诺夫死去后，列别捷夫念了一行完全与剧本不同的台词，他宣布，我们刚刚目睹的是一本书上的故事，读着使人昏昏欲睡。他同时告诫观众，“每个为自己的人都生活在雾中。”

帕梅拉·霍华德，1939年出生于英国伯明翰，是享誉世界的舞台美术家，同时也是集舞台服装设计家、导演艺术家、策展人、画家、作家、戏剧教育家于一身的艺术大师。

她曾荣获大英帝国勋章（OBE)，英国“戏剧服务”奖，国际舞美组织（OISTAT)英国教育委员会特殊贡献奖，世界舞台美术设计展（WSD)“打破界限”特别奖等多项殊荣，为推动世界戏剧教育和舞台美术发展、培养戏剧舞台美术人才，做出了卓越的贡献。

《卡门》讲述了吉卜赛姑娘烟厂女工卡门与唐·豪塞、米卡爱拉、埃斯卡米里奥三人之间的爱情故事。

帕梅拉的创作灵感来源于对生活中人物的观察，将偶然降临的灵感呈现于手稿之上。她的手稿大多由油画棒或色粉绘制，兼用多种绘画材料。《卡门》中三个穿裙子姑娘的造型，就来源于她在塞维亚一个村落中画的速写素材。松散的线条、孩童涂鸦式的笔触、夸张的人体和动态、大面积平涂的明亮的色块效果，都是她一次私人化的头脑风暴。

《夏洛特》讲述了26岁去世的姑娘夏洛特最后几年的生活，那时正处在纳粹德国取得政权的时期。夏洛特热爱艺术，她凭借自己的记忆仅用红黄蓝三色画了1200张水粉画，记录了她年轻的那段生命，同时反映了纳粹统治的前期那一段德国的命运。

帕梅拉提到，在夏洛特身上，她感受到一种共情。因为她也能熟稔地控制这红、黄、蓝这三种醒目突出颜色在服装中的大小和比例，并运用复合色去间隔这三种颜色，使画面呈现出一种丰满和翔实的感觉。这种色彩的和谐不仅只在纸面上，还与舞台场景达成一种色彩平衡，多而不杂，鲜而不艳。

戏剧舞台上，帕梅拉既是舞美设计师，又是服装设计师，这非但没让她感到疲惫和力不从心，反而跨界的体验让她更深切地理解到作品的内核，赋予她更多的创作空间。

帕梅拉习惯将服装设计融入到布景中创作，因为这种预见性的尝试能便捷地展现出服装与布景的匹配关系，从而为舞台上呈现出更和谐平衡的整体视觉效果做出调整。

这个歌剧描绘了1920年代发生在捷克的故事。在那个时期，他们是第一个成立了夜间清扫大街的清洁队的国家。他们把刷子当做枪一样扛着，在夜晚出动扫大街，人们叫他们夜间清扫军。他们的服装都是统一的，颜色是红蓝白，这三个颜色是当时捷克国旗的颜色。

该剧没有用传统的红天鹅绒做大幕，而是用了一排“清洁大军”来开场，他们的舞台动作正好卡点雅纳克夫的作曲。

在这部剧的手稿中，相同着装的配角也被帕梅拉绘制出不同的状态，插兜、嗨唱、佝偻、叉腰、击掌……各种灵动的体态特征使纸上人物也颇富活力。同时，当处于同一场景的人物被安排在同一画面中时，帕梅拉也试图用服装和动态去阐释人物之间的关系和戏剧冲突。

邦尼·克里斯蒂不仅获得三次奥利弗奖和一次托尼奖，还获得过大英帝国勋章。

克里斯蒂经常将我们置于主角的头脑中，在舞台上设计一份观众心理学。她曾在采访中表示，“舞台设计师是从排练厅走向团队其他成员的通道，设计的灵感往往来源于不断地思维碰撞。”她的舞台始终充满着magic。

《深夜小狗离奇事件》被誉为“故事讲述和视觉冲击的非凡组合”。区别于一般戏剧舞台，邦尼·克里斯蒂将舞台搭成“魔盒”，由近千个LED灯组成，这些灯经过视频编程连接操控台，可变换为各种不同色彩和图案。以光线为画笔，以舞台为画布，克里斯托弗大脑的认识模式如画面般在舞台上铺陈。可以说，这个“盒子”的设计带观众走进了克里斯托弗的大脑，跟着他一起思考和寻找。

戴维·杰伊斯曾在《卫报》评价道：邦妮·克里斯蒂大胆的戏剧性总是令人吃惊，她的创作常把观众带入戏剧的宇宙中。

《人情世故》讲述的是一个演员心理康复过程的故事，由邦尼·克里斯蒂于2015年在英国国家剧院执导，后在西区演出，获得两次奥利弗奖。

导演邦尼·克里斯蒂将舞台放置在观众席的中央，以探索一种新的视觉呈现方式。

这部剧剧让观众突破眼界的是邦尼·克里斯蒂设计的动态场景。

由于国家剧院的舞台宽大，大到可以同时呈现两套完整的作品，舞台间的转换在观众还没有看到之前就已预先设定好，可以根据需要移动。

在保罗·康斯特布尔（Paule Constable）的灯光和汤姆·吉本斯（Tom Gibbons）的声音设计的帮助下，场景的每一次变化都像一个暗示，演员可一墙之隔间移动，因此，邦尼·克里斯蒂添加了光圈功能，使观众有机会走出叙事，重新想象组合情节，并在光圈打开的那一刻再次被故事的新的场景和新的线索吸引。

黑色调、工业感在《墨水》的舞台设计中体现得淋漓尽致。你可以从该剧中看到20世纪60年代新闻界有趣的秘闻。

灰暗的压抑的深色布景营造出压抑诡异的气氛，演员的服饰以及现场道具也多以暗色为主调，正契合这一部关于堕落的黑色寓言的主题。

克洛伊·兰福德，英国舞美设计师，皇家宫廷剧院的副设计师，以自己独特的舞台环境创造力而备受业界人士的青睐。作品涉猎范围广泛，涵盖了戏剧、歌剧、音乐和装置艺术等多个领域。近年来与阿姆斯特丹剧团和柏林邵宾纳剧院等公司合作。在温布尔登艺术学院深造期间，获得艺术基金会表演设计奖学金。

她的舞台设计作品向来不追逐流行趋势，而是根据灵感决定创作，百变作品中每个场景都有着独特的灵魂。克洛伊·兰福德热衷在舞台上搭建“盒子”，试图通过一个又一个的格子打造出“多重空间”的概念。

《猎犬》舞台的盒子空间非常大胆，将泥土置于装置中，演员在这个舞台发生的一切行为都离不开这个土盒子空间，加强了舞台的野生感。

粗糙的泥土，逼仄的屋顶，演员在里面穿梭，这区别于传统意义上的开放式舞台，但也因此独具意义。

极简的舞台，水泥盒子的视觉形象，配合剧中两位主人公的面对面独白，你会觉得这个舞台不是沉默的，而是默默斗争着的。

《猎杀女巫》的舞台巧妙地运用灯光完成空间的转换，将这规整的盒子元素完美融合到该剧的情节当中。

在克洛伊·兰福德设计的黑匣子空间里，包裹着主人公探索内心，一切静谧而沉静。

多种灯光素材烘托出女演员珍妮·金（Jenny König）的神态，她一举一动都具有安静的美感。

艾米莉·尼尔迈，耶德国著名的戏剧、歌剧导演，萨尔茨堡莫扎特博物馆的导演教授和托马斯伯恩哈德学院表演和导演课程的主任。

艾米莉擅长把现代风格的服饰，运用于古典剧目中，将两种风格形成一种视觉反差，真实与虚拟带来的强烈对比，增加了戏剧多层次的意蕴。

这是一部关于女性题材的三幕正歌剧，标志着意大利浪漫主义运动的诞生，讲述了一个关于女性崛起的故事。

艾米莉·尼尔迈耶作为导演，基于对剧情的思考和解读，同时也受到全球女权事件的启发，拍摄了这座城市的舞蹈工作者，并通过视频的形式邀请他们进入剧院，以这样独特的形式，把整座城市变成了一个舞台。

克里斯蒂安·施密特利用“放大”，设计了一个大型建筑（城堡）的内部一角，来突出“大”；然后又利用四个“格子”的划分，来营造出不同人物关系的室内特写，来构成“小”。两个景别分别作为独立的体系结构，通过舞台的平移来完成转换。

《麦克白》是一部惊悚歌剧，讲述了对人类的诱惑和心灵的深渊，人对权力肆无忌惮的欲望、血腥的野心和超自然的预言。艾米莉·尼尔迈耶凭借其艺术性的舞台表演风格，以不寻常的力量演绎了莎士比亚戏剧背后的东西。

艾米莉·尼尔迈耶使用泥泞的单元房间对主要人物进行了详尽描绘，把西蒙·尼尔描绘成一个令人印象深刻的稻草人。

《奥赛罗》是莎士比亚最复杂、最微妙的戏剧之一，意大利诗人兼作曲家阿里戈·博伊托（Arrigo Boito）面临着将悲剧浓缩成歌词的艰巨任务，在创作过程中，他淡化了几个关键主题，缩小了戏剧发展的广度和深度。

导演艾米莉·尼尔迈耶将奥赛罗呈现为一个从一开始就已被击败的人，从而消除了他从完美幸福到极度痛苦的过程，展现毁灭和堕落的心理。

另一方面，艾米莉非常细致的指导演员，让他们在剧中每一个眼神都有独特的意义，每一个动作都经过深思熟虑的精心设计，能与音乐的节奏巧妙地配合，也有助于对表演的情感理解。

该剧舞台设计师克里斯蒂安·施密特使用极简主义舞台，让演员把他们个体力量发挥到了极致，在单元布景里巨大的装置更加凸显出渺小的人物动作。

舞台表演环境由于噪音和音乐线的干扰营造出极度的混乱，无论是移动的嘎嘎作响的地板还是被乱扔的椅子，都是演出的主要舞台元素。

椅子成为剧情中“阶级地位”的概念，所有角色都在考虑该如何保护自己的椅子或征服他人的椅子。

看完这些女性舞台美术家的作品，不得不为她们的才华惊艳。其实女性的定义不仅局限于粉面桃腮、家庭主妇，也可以是职场达人、意见领袖……

摆脱标签化的刻板印象，女性不屈的意志、炽烈的理想、真挚的灵魂都值得被尊敬与探索。她们不仅在舞台美术行业发光，也在其他行业绽放光彩。今天，祝每一位女神节日快乐！

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