舞台，是被灯光照亮的。在舞台上，灯光引导着观众看什么和不看什么，配合剧本和导演，讲述故事、演绎音乐、牵引调度、烘托意境……把舞台现实和虚幻空间呈现在观众面前。“灯光是舞台上的灵魂”，英国著名导演爱德华·戈登·克雷的这句名言充分说明了灯光在舞台艺术中的重要性。近年来，除了灯光设计外，任冬生还在多部现象级和爆款作品中担任舞美设计、视觉总监，对舞台创作拥有全面且丰富的实践经验。

舞蹈诗剧《只此青绿》

在一部剧的创作过程中，灯光设计是最后一道工序，在剧场合成阶段开始紧张的工作。时间紧，任务重，除了导演外，灯光设计需要与几乎所有部门沟通，要与舞美一起表现出剧本所规定的环境画面，与演员一起表现出剧中人物情感的抒发，与服装一起表现出应有的服色效果和变化效果，与化妆一起表现出演员合适的肤色，还要和音乐一起表现视听结合的动人感染力和冲击力，“灯光如同粘合剂，承担着把舞美、服装、多媒体以及导演的想法在舞台上融合在一起，形成统一的视觉效果。”

面对“跟各部门沟通难不难”的问题，任冬生斩钉截铁地回答：“从来没觉得沟通困难。”他认为灯光设计师不应该是一个被动的执行者，而应该是一个可以为舞台加分的主动创作者。“工作中难免会出现和导演想法有出入的时候，灯光设计不像其他视觉门类，可以出设计图给导演看，一目了然。灯光是一种很抽象语汇，只能用语言去形容，在与导演沟通时，我会带着自己的文化和想象，以一种陈述式的语言去说服，让导演理解我的想法是如何适合于这部戏。如何去跟导演沟通，如何去跟演员沟通，如何去跟其他部门沟通，多年工作也积累了一些经验。所以，一个好的灯光设计往往都会是个社交家。”

观念演出《对话·寓言2047》

任冬生并不认为音乐剧、舞蹈、话剧、舞剧的灯光设计有天差地别的区别，他把这些都归纳为戏剧性的灯光创作。“每个门类都有其特点，但又都有共通之处，作为一个视觉的创作者，一个很重要的工作就是把空间塑造出来，隐喻主题和内涵，留给导演、演员更多的创意空间，让他们在这个空间中有更多的想法能够实现，为戏剧服务，为表演服务。”

舞剧《记忆深处》

在合作中，任冬生比较看重的是导演，他认为一个普通的题材可以通过导演的二度创作后得到质的提升，在舞剧、音乐剧和话剧各个门类中，他结识了很多合作默契的导演，比如，中国儿艺钟浩导演，上话何念导演，导演周可、肖杰、王舸，编导佟睿睿、韩真、周莉亚等，彼此信任又相互认可。“我合光的时候，有的导演甚至都不管的”，任冬生开心地说。当然，这种放手的默契是建立在与导演美学追求一致基础之上的，而这种“一致”必定是共同经过了时间与作品考验之后才会有的自由畅快创作氛围。

1993年，任冬生从中央戏剧学院舞台美术系毕业，进入北京舞蹈学院工作。刚毕业并没有很多做舞台创作的机会，但正好赶上每年都会举办的“桃李杯”“荷花杯”、全国舞蹈比赛等活动，从中得到了极大的锻炼，“几百个六七分钟的Gala，没有布景，基本靠灯光来渲染、推进和表达。在这个过程当中，加深了对舞蹈的理解，对舞台灯光可控情绪和表达内涵的掌握，在这种量的加持下，得到了很多经验。”

观念演出《对话·寓言2047》

如果从毕业开始算，任冬生已从业近三十年，虽然微博上经常有人说“这一看就是任老师的作品”这样的话，但他并不认为自己有固定的风格，设计风格会随着环境和审美思潮的变化而变化，2000年初因受到港澳台的影响，灯光是闪动、摇动、五颜六色的，他会觉得那种灯光很酷炫。近些年，审美开始回归，灯光语汇指向寻找一种戏剧性的表达，“这种回归特别好，现在大家觉得《永不消逝的电波》灯光很好看，要是搁在十五年前，可能会有人说太素了。工作中我更多的是根据剧本、导演以及我对戏的理解来做设计，我觉得我最大的一个风格是善变，一个灯光设计、一个舞台设计的本质就是要学会变化，而且我特别喜欢去尝试不同的风格。”

舞剧《永不消逝的电波》

任冬生谈到他2021年在音乐剧《伪装者》担任灯光设计的体会，韩国导演对于灯光的要求偏百老汇风格，他个人审美是更喜欢戏剧性的东西，但整个戏合成后，发现在导演的要求下，这个戏自成体系，非常好看。这个时候，他又开始反思：“是不是我们太固化了，某种东西是好的，并不等于永远都是好的。在不同的体系下，不同的戏剧题材下，不同的主题和内容下，我们都需要有所变化。做到这些，才是一个好的设计师。”在创作中，任冬生永远在拒绝常规，永远在尝试不同。尝试不同的光源、不同的灯光角度以及光的运动。在话剧《浪潮》中，他使用了工业照明灯，在舞台两侧投射，营造了一种冷且雾蒙蒙的感觉；在舞剧《永不消逝的电波》中，他尝试了拍电影用的镝灯，低角度投射，形成狭长的影子，表现狭窄弄堂的光影变化和独特的上海味道。“在这种尝试中会不断地积累经验，下部作品的时候，把这些经验都忘掉，再来一次”，任冬生说。

舞剧《永不消逝的电波》

当代舞台艺术形态的变化，最明显的标志是科技与艺术的融合。“科技从来没有离开过舞台，17世纪电灯发明后也用到了舞台上，这样舞台才有了照明系统。在科技创新上，舞台从来都不甘落后”，作为一个始终在探索并走在科技与艺术融合前沿的创作者，任冬生是见证者也是实践者。

观念演出《对话·寓言2047》

从2017年开始，任冬生担任张艺谋导演观念演出《对话·寓言2047》第一季、第二季、第三季视觉总设计，该剧将传统艺术和现代科技融合，展开古老文明与现代科技的对话，引发了“人与科技，何往何至”的思考。2021年10月，任冬生根据北京当代艺术博览会的现场空间环境设计的装置作品《人间、空间、时间和人》在全国农业展览馆展出，这是一次聚焦当下蓬勃发展的科技美学与科技艺术，融合数字科技和装置形态，把数字化时代特有的艺术形式展示在艺博会现场的尝试，也让新一代兼具科技与美学素养的观众体会到了当代特有的艺术创新。

观念演出《对话·寓言2047》

“科技提升了舞台艺术的表现力，各种高流明的投影仪和数字化的产品大量涌现舞台，作为设计师，要拥抱科技，但一定要有清醒的认识，不能是‘拿来主义’，拿来什么就用什么。我们在创作中一定要避免科技大爆发带来舞台上的纷繁，依旧要以舞台与戏剧本体为主，这样才能创作出有魅力的舞台作品。”

“科技推动艺术之时，艺术也在反哺科技。”舞台上的一些灯光设备，任冬生会在使用后和厂家的工程师沟通和研讨，使产品更符合设计师的使用需求。”在音乐剧《在远方》中，主角姚远居住的地下室这一布景需要在舞台上行走，灯光设备就需要是无线的，蓄电池藏在何处，电池续航时间如何，遥控是否能够游刃有余等一系列问题，他都要与研发沟通并调整直至能够稳定使用。而这种来自设计师的使用反馈，往往就是推动舞台科技产品升级的最直接因素。

观念演出《对话·寓言2047》

科技与艺术的关系是个老生常谈的话题，但在舞台科技日新月异的今天，又是一个无法回避的话题。着眼当下市场，科技与艺术融合的作品总是能获得市场的青睐。艺术家们应始终不忘戏剧本体，投身于对技术的了解和应用之中，用科技让艺术情怀更好地落地。

除了舞台创作外，任冬生还在北京舞蹈学院任教，带硕士研究生，“这个专业很难教，除了教授理论知识和编程技术外，光色这些关乎审美的东西实际上是没办法教的，我常常告诉学生这是个实践学科，只有不断去实验，才能学好这个专业。”

在舞台之外，少有人关注到灯光设计师这个群体，或者对这个职业的认知停留在“技术工种”这一层面上。事实上，技术只是进入这个行业的门槛，他要求学生必须掌握控制台，也语重心长地告诉学生：“决定这个行业上限的绝不是技术，你最终能成为一个什么样的设计师，要看你在年轻的时候读过什么书，看过多少剧本，了解了多少历史，听过多少音乐……是艺术修养的高低决定了你最终成为一个什么样的设计师。”

舞蹈诗剧《只此青绿》

回顾在中央戏剧学院上学时的日子，从莎士比亚、品特的经典剧作，到弗洛伊德、荣格的心理学以及萨特的哲学思潮等，任冬生读了很多所谓的“闲书”，“当时也不知道到底读懂了多少，但是这些看过的书其实已经沉淀在思想里了，会在日后被调取使用，给与回馈。”作为一个老师，可以向学生传递经验，但也仅限于让学生避免走他走过的弯路。任冬生欣赏思维跳脱、热爱钻研又具有实验性的学生，想象力越丰富，在舞台上创造的东西才越好看、越独树一帜。“设计师最可贵的是个性，要形成自己独特的画面感和情感表达，教出来的学生都跟我一样又有什么用呢？”

舞剧《记忆深处》

灯光照亮了舞台，灯光设计师却是默默无闻的。任冬生进入中央戏剧学院的第一堂课，老师就告诉他们，灯光设计师是幕后工作者，不要想着出名，给他们的最大奖励就是谢幕时的掌声，这时候他们甚至也不在台上。他对此非常赞同，“舞台上最光鲜亮丽的应该是演员，灯光就像呼吸一样，我们每天都呼吸，但不会说呼吸太伟大了。在一个戏里，灯光可以不显山露水，但任何一个场景都不可能没有光。作为一个设计师，不必去追求名气大小，要努力做到让自己的灯光设计更具有独特性。”

任冬生部分设计作品

《伟大征程》

舞蹈诗剧《只此青绿》

舞剧《永不消逝的电波》

观念演出《对话·寓言2047》第一、二、三季

舞剧《记忆深处》