本文来源于：整景er

舞美盘点

2020年，整景er一直致力于成为大家的灵感赋能地，所以一直也在不断地为大家推送优秀设计师及其设计作品，至今已经百余期。

极具个人色彩的、最受大家喜爱的、个人话题度最高的“当红炸子鸡”舞美设计师有哪些呢？

一起看，今日盘点：《回顾2020那些值得“被标签”的国际舞美设计师》

他们屡获国际大奖，他们的舞台设计风格让人为之一振。有些善用“人体”，有些偏爱硬朗线条，有些充满着女性的智慧，也有些正在将舞台做成一场“融合”的艺术......

2021，整景er不断为灵感蓄能，我们继续出发。

Romeo

Castellucci

欧洲戏剧恶魔

罗密欧·卡斯特鲁奇（Romeo Castellucci），意大利当代戏剧导演，毕业于博洛尼亚美术学院，获得绘画和舞台设计学位。1981年，他与姐姐克劳迪娅·卡斯特鲁奇(Claudia Castellucci)和妻子基娅拉·圭迪(Chiara Guidi)一起创立了拉斐尔·桑兹奥剧团（Societas Raffaello Sanzio），此后，他以布景、灯光、音响、服装设计和导演的身份创作了无数戏剧经典。

卡斯特鲁奇的戏剧作品融合了多种艺术概念，创造了一种融合戏剧、音乐及造型艺术的戏剧语言能力。他善于创作以历史与悲剧为主题的作品，其中难以捉摸的意象、象征呈现出他独特的视觉美学。而他本人则被称为当代欧洲戏剧的恶魔。

《魔笛》

《莎乐美》

《唐豪瑟》

Derek

McLane

空间逻辑鬼才

德雷克·麦克莱恩（Derek McLane），美国布景设计师。1958年出生于伦敦，毕业于哈佛大学，并在耶鲁大学戏剧学院获得MFA。从业至今，德雷克为戏剧、歌剧、大型直播电视台设计了超过350部作品，并与罗布阿什福德、马克·布鲁尼、莫伊塞斯·考夫曼，凯瑟琳·马歇尔，大卫·沃伦迈克尔·迈耶等众多大腕导演合作。

2013年至2018年，德雷克为奥斯卡舞台做舞台设计，创造了奥斯卡舞台设计的“黄金时代”——引进3D全息投影技术，创造水晶世界，到致敬经典电影……秉承“高于生活”的舞台设计理念，德雷克为奥斯卡舞台设计创造了众多个首次。凭借“2014年的奥斯卡+发胶现场直播”德雷克获得了艾美奖。

德雷克还为百老汇设计了超过四十部戏剧作品，包括《红磨坊》（Moulin Rouge）、《士兵的戏》（A Soldier's Play）、《33个变化》（33 Variations）等，凭借《33个变化》，德雷克获得托尼奖。

在戏剧布景上，德雷克的设计多偏向写实性，色彩丰富、空间错落，舞台满而不乱，注重多感官的视觉叙事效果。

《33个变化》

《IF I FORGET》

《THE WIZ LIVE》

Jan Fabre

触探肢体底线

让·法布尔（Jan Fabre），被认为是当代国际艺术界最具创新性的人物之一。他的艺术创作总是成为被争议的对象。时间、身体的可塑性与质变是其不断尝试的主题。对他来说，美是一场永无休止的争夺战，必须以时间来换取观众的接受。

多年来，Jan Fabre创造了属于自己的“生理”语言表演体系。他的舞台艺术以“挑逗的行为”和“非公开的表演”为模式开端。在他的作品中，对身体意义的研究至关重要，身体是所有情感、思想和更高沉思的入口。

《Mount Olympus》

《Prometheus Landscape II》

《Tragedy of a Friendship》

Alexander

Woodward

强化空间与人物关系

亚历山大·伍德沃德（Alexander Woodward），美国舞美设计师，作品涉猎范围广泛，涵盖了戏剧、歌剧、舞蹈和live表演等多个领域，2019年凭借戏剧《The Sound Inside》成为百老汇最年轻的舞美设计师。

Alexander Woodward从小就对戏剧产生了浓厚的兴趣，此后，他将自己学习的重心集中在艺术领域，并从伊萨卡学院获得了设计学学士学位。在纽约建立工作室后，他回到耶鲁大学戏剧学院攻读舞台设计硕士学位。

作为一名设计师和教育家，他倡导艺术先行。于他而言，每场演出都是创造戏剧的机会，既能与观众互娱，又能收到来自各方的评论提升自己的戏剧。在艺术创作的媒介多种多样的今天，Alexander Woodward也在不断尝试探索，进一步深化他作品中人物与空间的关系。

《The Sound Inside》

《Don Juan》

《A Doll's House》

Es

Devlin

肖像舞台大师

艾斯·德芙琳（Es Devlin），当代最具影响力的视觉、舞台与艺术大师之一。

她善于利用空间、光影、比例和时间等要素揉杂重构，用大胆前卫的设计手法打破传统，去尝试奇幻舞台的所有可能性。在她的作品里，你会发现，抽象感、科技感十足，既满足人们视觉审美习惯又对人们既有认知发起挑战，让人由衷敬佩。

安德鲁·奥哈根（Andrew O'Hagan）曾在《纽约客》中评价：“她的每一个设计都是对‘布景只是布景’的观念的一种攻击”。利用肖像元素创作是她的一个特点，在整理资料时，发现她大胆地使用投影，雕塑等手段将肖像元素运用到极致，使得每一个舞台都鲜活了起来。

Adele演唱会

Beyonce 演唱会

The Weekend演唱会

Raimund

Orfeo Voigt

冷暴力美学

雷蒙德·奥菲·沃格特（Raimund Orfeo Voigt）毕业于维也纳美术学院，随后以著名舞美设计师罗伯特·威尔逊（Robert Wilson）助手的身份进入业内。

在有限的空间内发挥对舞台空间的想象力和创造力的最大化。在他的舞台作品中，我们既能看到克制的情感，又能看到几何的理性；既能看到干净纯粹的极简风格，同时还可以看到别出心裁的复合式空间结构。他善于运用白光来表达舞台情感，揭示人物内心世界的场景。

粉笔画个圆圈、毫无装饰的窗户，都可能是他舞台上的主角。在有限的空间内发挥对舞台空间的想象力和创造力的最大化，这是一位好的舞美设计师的能力所在。而Raimund Orfeo Voigt就是这样的存在。

在他的舞台作品中，我们既能看到克制的情感，又能看到几何的理性；既能看到干净纯粹的极简风格，同时还可以看到别出心裁的复合式空间结构。他善于运用白光来表达舞台情感，揭示人物内心世界的场景。

《Lohengrin》

《Alpenkönig und Menschenfeind》

《Der Freischütz》

LeRoy

Bennett

定义演唱会舞美

勒罗伊·贝内特（LeRoy Bennett），音乐界最具标志性人物的舞台设计师和创意总监。近年欧洲流行演唱会最炙手可热的舞台设计师，常常以惊人的创意与夸张的舞台效果震惊全球观众。

作为世界顶级的舞美设计，他曾多次为Beyoncé、Lady Gaga、Rihanna、Justin Bieber、Paul Mc Cartney、Bruno Mars、Nine Inch Nails、Big Bang、The Weeknd、Miguel、Madonna、Kelly Clarkson等顶级明星（乐队组合）担任演唱会舞美设计。也为奥斯卡、格莱美等颁奖礼、现场音乐会、体育场表演以及影视特别活动提供了难忘的舞台时刻。

1980年，勒罗伊·贝内特（LeRoy Bennett）成为当时的新锐艺术家普林斯（Prince）的巡回演出的灯光总监。这次巡回演出的成功让双方有了长达14年的合作关系，这一经历也奠定了LeRoy成为了演唱会领域先锋者的基础。

很早以前他就对自己的作品有了定义。创建针对项目量身定制的新元素，使每个设计都独一无二。

《ARIANA GRANDE SWEETENER WORLD TOUR》

《PAUL MCCARTNEY FRESHEN UP TOUR》

《MAROON 5 RED PILL BLUES WORLD TOUR 2018》

Walt

Spangler

古德曼剧院代表

沃尔特·斯潘格勒（Walt Spangler），美国布景设计师，毕业于耶鲁大学戏剧学院。他曾与众多导演合作，为美国莎士比亚剧院、老环球剧场、古德曼剧院等众多顶级剧院做布景设计，其中古德曼剧院的导演罗伯特·福尔斯（Robert Falls）是他重要的合作搭档。

他的百老汇设计作品包括《逃向玛格丽塔维尔》、《塔克·永恒》、《圣诞故事》、《丑闻》、《榆树下的欲望》、《好莱坞武器》等。

《塔克·永恒》

《圣诞故事》

《榆树下的欲望》

Carl

Fillion

空间利用法则

卡尔·菲利安（Carl Fillion），布景设计师，出生于加拿大，毕业于魁北克艺术戏剧学院布景设计专业。自1994年以来，他与著名导演——舞台剧《莎士比亚系列》（1992—1994）的执导者罗伯·勒帕吉（Robert Lepage）开始了长期的合作关系，譬如著名剧目《尼伯龙根的指环》、《小王子》、《针头与鸦片》等。

除了戏剧和歌剧等布景制作外，卡尔·菲利安还为太阳马戏团做布景设计，《托鲁克：首次起飞》、《图腾》等都是由卡尔设计的。卡尔的布景设计非常注重舞台空间结构，他将先进的舞台技术、新媒体与空间设计结合，打造极具几何形态的空间幻象，最大限度地利用舞台空间。

《托鲁克：首次起飞》

《针头与鸦片》

《哈姆雷特·拼贴》

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我们2021见~